5 Discos Del 2014 Que Me Acompañaron

De una otra forma, estos cinco discos me acompañaron bastante durante el recorrido del 2014, y vaya sí me dejaron un buen sabor. Puede ser que alguno se cuele en alguna lista de esas que hacen... Yo pondría algunos fijo. Pero lo claro es que no salieron de mi reproductor musical y, hasta hoy, tienen cabida en los oídos.

Warpaint :: "Warpaint"
Enero

El cuarteto indie estadounidense se tardó casi cuatro años en lanzar su segundo disco. Una espera larga y desesperante que llegó a su fin a principios de 2014. Una colección de doce canciones inagotables, muestra de una solidez musical y sonora que va acorde a lo esperado. Las baquetas que suenan, ese bajo machacante, las guitarras hipnóticas y la incorporación más extensa de algún que otro sintetizador. Un álbum excelente.

Pixies :: "Indie Cindy"
Abril

Pixies es una de las mejores bandas de todos los tiempos. Corta. Vale, que no aparezcan en listas y cosas así no dice mucho. En lo que fue su carrera entre 1987 y 1991, facturaron la seguidilla de discos en años consecutivos más increíble que uno pueda imaginar, aparte de The Beatles. Su retorno en 2004 llegó de la mano de apenas una canción. De ahí hasta 2013, recién Pixies entró en el ruido de publicar algo. Una canción suelta; un EP; un segundo EP; un tercero. La salida de Kim Deal destrabó las cosas y provocó la liberación de esa energía. El conjunto de las canciones de esos tres EPs fueron empaquetadas en un disco correcto, aunque no magistral como aquellos antiguos, que resultó disfrutable en dosis bastante altas.

Thom Yorke :: "Tomorrow's Modern Boxes"

Septiembre

Tras haber lanzado el año pasado "Amok", el debut su banda paralela Atoms For Peace, Thom Yorke, alma central de su banda de siempre, Radiohead, volvió al ruedo solista. Después de ese correcto disco que fue "Eraser", lanzado en 2006, este 2014 Yorke dio un paso adelante con "Tomorrow's Modern Boxes", un disco autoeditado, sin sello y que el músico promocionó de maneras ingeniosas.

El álbum juega más acorde a lo ha venido haciendo Yorke en los últimos años, con especial énfasis en las máquinas y la electrónica. Si bien resulta algo poco digerible en primera instancia, no puedo negar que el álbum se desarrolla con especial agrado, entre sonidos envolventes  y perfectamente facturados, rodeados de la habitual arrolladora capacidad vocal de Yorke. Muy buen disco.

Protistas :: "Nefertiti"
Octubre

Los nacionales de Protistas han venido construyendo con bastante solidez una historia musical que me resulta extremadamente interesante. Con un sonido cargado a las guitarras ligeras, pero llenas de efectos, el tercer disco de la banda es una incontestable muestra de madurez y solidez; con "Nefertiti" llegan a un punto en que definitivamente salen del ruedo de banda prometedora y alcanzan un punto de estabilidad fuera de dudas. Una álbum lleno de canciones buenas son la prueba.

Midiset :: "Midiset"
Octubre

Es jodido escribir de una banda con la que te vinculas cercanamente. Uno debería abtenerse si esto se tratara de una lista formal. O quizás no, y no perder la oportunidad de destacar un disco breve, pero intenso y sólido. La electrónica de Midiset sale a luz por medio de una colección de canciones algo añejas, pero que resisten el paso del tiempo. Con su habitual estilo de cuentagotas, "Midiset" se atreve con cinco canciones arrolladoras, que sumando no llegan ni a la media hora de duración, pero que valen la pena en cada segundo. En un estilo algo tosco, y grabado con un aparente estilo anticuado, las canciones van deslizándose sobre bases conseguidas, melodías repetidamente inspiradas y que no aflojan hasta el final.

Cerati Y El Fin

Puedo escuchar mil veces eso de que la muerte de Gustavo Cerati no tiene nada de impresionante, que de cierta forma ya lo estaba de antes. Puede ser, pero no lo siento así. La muerte de Cerati me impactó, me pareció repentina y anduve con una extraña sensación buena parte del día. Me dolió. Inocentemente, tenía la esperanza en que saldría del coma en el que estuvo cuatro años. No creía, eso sí, que fuese a retomar una vida normal, que llegara a dedicarse a la música nuevamente y eso. Por eso su partida me pareció impactante e inesperada.

Aunque yo era pequeño cuando Soda Stereo surgió y alcanzó la gloria, ya los disfrutaba. Lo hacía mucho mi mamá, algunos tíos y me encontraba con ellos sonando siempre. Junto a Los Prisioneros, banda muy parecida y a la vez demasiado distinta, fueron mi soundtrack de niño. En esos años de personalidad, me dedicaba a canturrear las canciones frente a la familia, tomaba una escoba o una raqueta de tenis y me creía guitarrista. "Nada Personal", "Persiana Americana"... Vaya sí me acuerdo de esa época.

Con los años, ya de adolescente, renegué un poco de Soda Stereo. Me parecían demasiado sofisticados y yo me había metido de lleno en música más sucia y marginal. Aún así los disfrutaba con recelo. Supongo que cuando grabaron en 1996 el Unplugged para MTV me volví a reencontrar con ellos de manera poderosa. En la época del Canal Rock & Pop, vi unas cuantas veces un especial de esa presentación, y luego muchas veces la presentación misma. Con los años, la grabé en un VHS en uno de los pases por MTV Latino (en la época en que ese canal era de música) y lo reveía muchísimo. Era alucinante. Trataba de que otros vieran lo genial que veía yo, y a unos cuántos convencí. La presentación para MTV Unplugged sumaba una rareza: la mitad del show era muy eléctrico, algo que contradecía el formato y su esencia. El canal lo aceptó porque, bueno, quien podría haberle negado a una banda así una exigencia única para participar. Al otro año, el 97, Cerati y compañía anunciaron que bajaban el telón. Montaron una gira gigantesca por latinoamérica, con todos los estadios llenos. En Chile, obviamente, arrasaron. Y las presentaciones finales en Argentina, en el Estadio Monumental de River Plate, terminaron marcando a fuego ciertas escenas. Tal vez la más emblemática y duradera sea aquella con la que terminaron aquel último concierto: las palabras de Cerati en los últimos acordes de "De Música Ligera", en donde dice que sin el público y los seguidores no habrían sido nada y lo corona con ese espontaneo "Gracias... Totales!", que a la larga se transformo en una frase clásica asociada a Cerati y la banda.

Después de eso, Cerati retomó por completo lo que fue su carrera en solitario, la cual había iniciado en 1993 con el disco "Amor Amarillo". Un año antes de eso, se había permitido una colaboración con Daniel Melero, concretado en el disco "Colores Santos". El 99 lanzó "Bocanada", álbum que lo reafirmó como solista y confirmó su talento sin sus compañeros de banda. De ahí en más, Cerati no tuvo ninguna parte floja. Cada disco que sacó fue bueno, incluso el experimento "11 Episodios Sinfónicos", en donde se permitió vestirse de El Principito y cantar acompañado de una sinfónica canciones de toda sus épocas. "Siempre Es Hoy" de 2002, "Ahí Vamos" de 2006 y el más reciente "Fuerza Natural" de 2009, su último disco, fueron pruebas de una solidez a toda prueba, que gozó de buena recepción en todos los ámbitos: en el público, en las ventas e incluso en los críticos.

El vínculo con Chile fue bastante fuerte. Por una parte, la Sodamía se consolidó en gran medida en nuestro país, uno de los primeros destinos extranjeros de los argentinos. Influyó bastante, eso sí, que en plena dictadura, el gobierno militar los viera como inofensivos y no hubiera restricciones de ningún aspecto con ellos. Además de los típicos recintos de la época, muchos de los cuales ya ni existen, fueron las presentaciones en el Festival de Viña de Mar las que llevaron la locura al máximo. La banda era una batería de hits, eran guapos y, aunque lo vinimos a notar mucho más tarde, eran excelentes músicos, en especial Cerati, que era el compositor casi exclusivo de la banda y un virtuoso de la guitarra. Y lo suyo era un talento incontestable. En ese contexto, en medio de una conferencia de prensa, conoció a Cecilia Amenábar, una joven chilena que lo cautivó desde ese mismo instante. Él era algo mayor que ella, Cerati había tenido un primer matrimonio que duró poquísimo y Cecilia era una estudiante recién entrada a la Uniacc. Cerati se las arreglaba para verla lo que más podía, acomodando su agenda y las fechas de los conciertos en giras que abarcaban todo el continente. Llegaba a veces a buscarla a la Universidad y todos se sorprendían de ver a una figura así en los pasillos esperando.

Un par de años después de ese primer encuentro en aquella conferencia de prensa, en 1992, Cerati y Amenábar se casaron en Santiago. Ese mismo año, Soda Stereo lanzó "Dynamo", el que personalmente considero el mejor disco de la banda, unos de los mejores lanzados por una banda latinoamericana, y derechamente uno de los discos mi vida. Al año siguiente, Cerati dio los primeros paso solistas a través de "Amor Amarillo". El disco fue un éxito. Y aún con los años, llama la atención lo sólido y bien hecho que está. A la larga, me sigue pareciendo el mejor disco solista de Cerati. El primer single de ese álbum, "Te Llevo Para Que Me lleves", tenía la particularidad no solo de contar con la participación de Amenábar en las voces, si no además de mostrar en su video a la pareja, justo en los meses finales de la gestación de su primer hijo, Benito, quien nacería en Chile. Paralelo a los últimos años de Soda Stereo, engendró un proyecto llamado Plan V, con músicos chilenos y establecido aquí, en donde el enfoque era enteramente electrónico. A partir de eso mismo, Cerati incorporaría esas sonoridades no solo a lo que estaba haciendo con Soda Stereo en aquellos últimos momentos de la banda, si no que a su etapa solista. Por aquellos años de experimentación nació Lisa, la segunda descendencia del matrimonio, el que se acabaría en 2002.

El 15 de mayo de 2010, Cerati se presentó en vivo por última vez. Lo hizo en Caracas en el contexto de la gira promocional de su disco "Fuerza Natural". Al terminar el concierto, en medio del backstage, se fue a negro y, de cierta forma, jamás volvió. Más de cuatro años después de un estado de coma del que apenas mostró mejorías, el pasado 4 de septiembre Cerati dio su último respiro: un paro respiratorio selló toda esperanza, por vaga, por infundada, por soñadora que fuera.

Fue un largo adiós para una figura que marcó en múltiples aspectos a muchos, una figura fundamental de la música en Latinoamérica.

20 Años Sin Kurt: Una Vida

Abril de 1994 es un mes significativo, un momento que marca. Un instante en que el mundo de la música cambió y, tal vez con un pequeño retraso, el mío también.
La gente de pronto me asocia a varias cosas, porque son grandes aficiones o intereses. Tal vez la que más sea justamente Nirvana, y por consiguiente Kurt Cobain.

¿Cómo plantear lo que significa Kurt Cobain para mi? Difícil. Amplio. Fundamental.

Descubrir a Nirvana y a Kurt Cobain, su fundador, cantante, guitarrista y compositor, marcó un antes y un después. Cambió mis gustos, parte de mi forma de pensar, mis intereres. Me inspiró y me llevó por el mundo del arte y, en especial, de la música.

Kurt Cobain nació el 20 de abril de 1967 en Aberdeen, una ciudad a la que él nunca se refirió muy bien nunca. Y es cierto, ahora hay un "día de Kurt" ahí, pero no sé si hubiese sido de su particular agrado. Sin embargo, es finalmente Seattle donde terminan pasando las cosas importantes: la formación final de la banda, el primero contrato discográfico con ese sello indie Sub-Pop, el asentamiento, la gloria, y la muerte.

Kurt se fue un día 5 de abril de 1994 (o 4 de abril?) en cirscunstancias un poco extrañas. A partir de ese día, su imagen se convirtió en imborrable. Desde ese instante, nunca más surgió una figura del mundo del rock tan significativa, talentosa y elevada. Nadie alcanzó ese status.

Este año, el de los 20, ha sido especial para Nirvana. Y ya han sido varios. En 2011, los 20 años de 'Nevermind'; en 2012, la reunión de la banda para presentarse de manera sorpresiva con Paul McCartney; en 2013, los 20 años de 'In Utero'.

He pensado mucho en Nirvana... y en Kurt. En estos días he repasado imágenes, he escuchado mucho, he leído lo que encuentro. Y sigo extrañándolos, que existan. El poster en la habitación... ese adhesivo de la guitarra... el parche de la mochila... esas bandas de cover en el colegio... las revistas... mis cosas, mis recuerdo.

Creo que debemos ser varios: te extrañamos Kurt.

When I Was 19...

Me gusta tocar la guitarra. Nunca mejoré mucho mi técnica, no aprendí cosas nuevas, pero creo que me volví hábil en identificar las melodías, sacar canciones (nunca he usado ayuda en eso) y exprimir los pocos acordes que manejo. Durante muchos años tenía la guitarra con solo cinco cuerdas... no me interesaba que le faltara la primera, total ni la ocupaba.

Los años en el colegio y con la banda de ese tiempo lo fueron todo: una escuela y una liberación. Mirando a la distancia, creo que no eramos demasiado buenos, aunque sí teníamos un puñado de canciones interesantes y logradas. Tal vez si hubiéramos seguido sería otra historia. Había ganas y espíritu adolescente. Algo nos faltó.

Ahora pensaba en algunas cosas de esa época, malas y buenas cosas. Como cuando nos tramitaban y chuteaban para poder tocar en alguna tocata (recuerdo aquella ocasión que tenía fiebre y a pesar de esa larga espera ni siquiera llegamos a tocar), los ensayos fallidos, las burlas en forma de broma que nos lanzaba ese gordo del Eurocentro, el momento en que no podíamos despegar. Pero hubo momentos buenos: ver nuestros discos en la vitrina de un par de disquerías, que "comentaran" nuestro material en un canal de cable, aquellas presentaciones simpáticas (como la de aquella vez en pleno Patronato en época de Navidad; o la del Festival Juvenil en la comuna, o cuando nos invitaron los de la Radio de la Villa Francia), la vez que Jano, un joven que no conocíamos, se acercó a alabarnos, hablarnos de nuestro de disco, de que le gustaban las canciones y al que, tiempo después, incorporamos al grupo.

No eramos demasiado buenos, no logramos entusiasmar a la audiencia, pero lo pasábamos bien. Al menos yo. Gastamos tanto tiempo planeando, diseñando, imprimiendo, grabando, tratando de hacer algo. Dentro de todo, fue una buena época.

A veces me acuerdo.

20 Años De 'In Utero'

 

Una aburrida tarde de 1996, mi patio. No recuerdo bien que hacía. Puse la única radio que teníamos y empecé a escuchar el cassette grabado que tenía de 'In Utero', el tercer y último disco de estudio de Nirvana. La banda ya no existía hace dos años, pero los disfrutaba y descubría más y más.

El disco lo había escuchado un par de veces antes, pero no fue hasta ese momento en que tuve una conexión profunda. Luego no paraba de oírlo: lo absorbía más y más. A larga, y hasta ahora, se convirtió en mi disco preferido de la vida, en el número 1.

::::: ::::: ::::: ::::: :::::

El 17 de abril de 1991, Nirvana se presentó en el O.K. Hotel de Seattle. Ese día, la banda interpretó por primera vez su canción más famosa, "Smells Like Teen Spirit". Faltaban alrededor de cinco meses para la salida de 'Nevermind' y todo lo que eso significó; fue un adelanto muy bien recibido. Sin embargo, ese día abrieron el show interpretando otra canción nueva: "Pennyroyal Tea", que no volvería a sonar hasta que formara parte dos años y medio después del siguiente disco, 'In Utero'.

Pocos meses después, "Rape Me" sería otra de las canciones adelantadas con anticipación hasta quedar guardada.

::::: ::::: ::::: ::::: :::::

En enero de 1993, Nirvana pisó por segunda vez suelo sudamericano. En esa ocasión, la banda llegó a Brasil para participar en dos fechas del Hollywood Rock Festival, una en Sao Paulo y la otra en Río de Janeiro. Entre la semana de distancia que había entre cada show, el trío aprovechó de gastar el tiempo en los estudios que BMG Ariola tenía en Río, grabando demos de canciones que finalmente formarían parte del siguiente disco o que figurarían como algún lado b de un posible single. De paso, algunas de esas canciones fueron interpretadas por primera vez en el contexto de este Festival.


::::: ::::: ::::: ::::: :::::

Entre el 12 y el 26 de febrero de 1993, Nirvana entró al estudio Pachyderm, en Cannon Falls, a grabar el nuevo álbum, 'In Utero'. Encargado de la producción y grabación se encontraría Steve Albini, escogido por el sonido crudo que solía lograr. Lo que había hecho con Pixies y The Breeders, y en lo que estaba con PJ Harvey en ese momento, era, en buena medida, justo lo que la banda buscaba: algo que se alejara de lo sofisticado que resultó 'Nevermind'. La idea era desafiar al público y a la crítica, hacer algo sin concesiones.
La cosa tuvo su efecto, y ante la expectativa de lo que venía, algo de polémica se armó: según una declaración a Newsweek, la casa discográfica Geffen pensaba que el álbum era "imposible de publicar". Y que, producto de esto, la banda había accedido a realizar modificaciones en la mezcla final, dotándola de un sonido algo más "amigable". Lo cierto es que Kurt Cobain no quedó del todo satisfecho del resultado final, y en algo lo instigaba Chris Novoselic, quien planteaba que, por ejemplo, "Heart-Shaped Box" tenía un solo que prácticamente saboteaba la canción debido a su sonido.
Con el fin de remezclar algunos cortes cruciales, la banda contactó a Scott Litt, productor de la mayoría de los discos de R.E.M., una de las bandas preferidas de Kurt. Litt se puso manos a la obra con los dos tracks que más dudas generaban, y que a la larga fueron los singles: "Heart-Shaped Box" y "All Apologies". El resultado se tradujo en un sonido más depurado, radiable, al que se sumaron algunas variaciones en la sonoridad de ciertos instrumentos, adquiriendo un poco más de cuerpo el conjunto de lo registrado, a costa de sacrificar buena parte de la crudeza, la que se mantuvo en canciones como "Milk It", "tourette's" o "Scentless Apprentice".

::::: ::::: ::::: ::::: :::::

A fines de agosto de 1993, "Heart-Shaped Box" debutó como single, de la mano de un logrado videoclip dirigido por Anton Corbijn. El 13 de septiembre, 'In Utero' vio la luz, de la mano de cierta polémica por la portada y por la canción "Rape Me", retitulada solo en la contraportada como "Waif Me" para la venta en los locales de Walt-Mart y Kmart, ya que se negaban a hacerlo tal como era. Lo mismo había ocurrido dos años antes con estas tiendas y 'Nevermind', que tuvo que ser vendido con un sticker en la portada tapando al bebé.

Si bien la idea era boicotear todo, 'In Utero' se transformó en un éxito en todo sentido, de ventas y de crítica, a pesar que no alcanzara las ventas del disco de estudio anterior. Eso era de esperar.

::::: ::::: ::::: ::::: :::::

Algunas obras artísticas me han llegado fuertemente. Sin duda, 'In Utero' es una de las que más, al punto de cambiar buena parte de mis intereses y sensaciones con la música. Pasaba horas escuchándolo, y el sonido que ahí había era el que yo quería. En gran medida, mi forma de tocar la guitarra tiene que ver con este disco: podría decir que toco al estilo In Utero. Influía en eso el que en muchísimas ocasiones tocara el disco de principio a fin, tratando de seguir cada detalle. Todo me gustaba. Desde la música a las letras, pasando por el arte y por aquel único videoclip que acompañó al álbum.

En septiembre pasado, se cumplieron 20 años desde que "In Utero" fuera lanzado. Por tal motivo, y siguiendo lo que fueron las dos décadas de los otros discos de la banda, Geffen (actualmente parte de Universal Music) preparó diversas ediciones especiales, lo que incluía remasterización y bastante material en forma de demos, lados b, tomas en vivo y mezclas diferentes.

Días después del lanzamiento original de 'In Utero', Nirvana se presentó por segunda y última vez en el programa Saturday Night Live el 25 de septiembre. Era el primer episodio de la temporada 93-94, y el invitado de esa ocasión era Charles Barkley. Pienso en ese programa, pero sobre todo en los ensayos para lo que sería la transmisión en vivo. Se puede ver como sería el debut como guitarrista de soporte Pat Smear, así como la hilarante grabación del comercial del programa en el que la banda aparece junto a Barkley.

Pienso en Chris, en Dave, en Kurt... con ese cabello rubio, sus muecas, su poco usual guitarra Univox. Poco más de ocho meses quedaban para que todo se acabara.

20 años de mi disco preferido de la vida.

Mis 6 Discos Del 2013 (+ 1 EP)

La música, siempre ahí, presente para ser la banda sonora de uno, para ser la compañía, la inspiración, la expresión, el entretenimiento, el ocio, y cuánto más.

2013 fue un año interesante para la música: cargado y variado. Tal vez todos quedaron contentos.

No lo hacía hace algunos años, pero he aquí 6 razones por las que -para mí- el 2013 fue una gozada musical. Compañeros de caminatas y momentos, 6 discos que me encantaron, sin orden, solo de manera cronológica.

1.-
Jorge González :: Libro
lanzado el 28 de febrero

Después de 14 años, Jorge González volvió formalmente a su carrera solista con el lanzamiento de 'Libro'. El disco, un álbum sencillo, pero sorprendentemente sólido y redondo, muestra a González entregándolo todo, con una honestidad y sensibilidad abrumadora. El repaso de su relación rota o de la distancia con su hijo se levantan como temas que marcan. Pero 'Libro' es también un álbum que apela a la melodía y a la contundencia de la mano de alguien que sabe al respecto. Prueba de ello son precisamente los cortes "Nunca Te Haría Daño" y "Es Muy Tarde", entre la que se cuela un logradísimo cover de "Arauco Tiene Una Pena", clásico de Violeta Parra. Todo el disco va por lo alto.

2.-
David Bowie :: The Next Day
lanzado el 8 de marzo

A sus 66 años, David Bowie, genio y figura, se permitió retornar al mundo musical de manera imprevista, tras diez años fuera, de la mano de un disco brutal, sólido, moderno y tremendamente inspirado. Cortes como "Valentine's Day", "How Does the Grass Grow?" o "Where Are We Now?" dan muestra de que, a pesar del tiempo, Bowie consigue seguir siendo relevante y cautivador, y un genio a la hora ponerse manos a la obra.

3.-
Depeche Mode :: Delta Machine
lanzado el 22 de marzo

El trío inglés sigue de manera exacta lanzando discos cada cuatro años, lo que viene ocurriendo desde hace 20 años con 'Songs Of Faith And Devotion'. 'Delta Machine' es un disco fabuloso, porque siento que por fin resulta ser tan certero, tan bien logrado. Vamos, tan conseguido de principio a fin. Eso casi ocurrió con 'Playing The Angel' de 2005, pero aquí ya es completo. Desde "Welcome To My World" hasta "Goodbye", Depeche Mode da muestra para qué sirven las máquinas, y aquello de lo mejor que pueden hacer en este momento, uno de los mejores de su carrera. "My Little Universe", "Should Be Higher", "Slow" y "Secret To The End" son apreciados cortes de un álbum que te atrapa de principio a fin.

4.-
Gatillazo :: Siglo XXI
lanzado el 2 de abril

De manera casi exacta, cada año por medio, los punks vascos de Gatillazo, especie de continuación de los míticos La Polla Records, se las arreglan para lanzar un disco que, además de sonar cada vez mejor, sea una divertida y alegre muestra de odio y descontento. El mítico Evaristo sigue haciendo lo que mejor sabe, con una solidez que te deja arriba, por lo alto, con un subidón de alegría y mala hostia a partes iguales."Nos sale un poco violento, no lo toméis a mal, solo hemos venido a divertirnos" anuncian desde el comienzo, con una explosión de rock que, a pesar de no ir en la senda de innovar, es de la mejor factura dentro del estilo. "Esclavos Del Siglo XXI", "Ultras", "Siempre Te Amaré" y "Bla-Bla-Bar" son una buena muestra de ello.

Por lejos, el disco que más he escuchado durante el año.

5.-
Vampire Weekend :: Modern Vampires Of The City
lanzado el 14 de mayo

A pesar de los años, los neoyorquinos de Vampire Weekend lucen más o menos igual. Su apariencia bonachona ha visto como su sonido ha tendido a evolucionar levemente. 'Modern Vampires Of The City' es el paso siguiente, un camino que va bien. Sin dar un salto demasiado sustancial, queda la sensación de que éste es el mejor disco que la banda ha podido facturar. Sin momentos de aburrimiento, solo con un puñado de canciones notables, en donde tratan, hacen ese esfuerzo, por incorporar nuevos elementos, nuevas ideas. Tal vez esa distorsión o deformación de la voz sea lo más notorio. "Diane Young" y "Unbelievers" son buenas formas de promocionar y presentar el disco; "Everlasting Arms" y "Don't Lie" pueden ser ejemplos adicionales de un álbum excelente.

6.-
Arcade Fire :: Reflektor
lanzado el 28 de octubre

A diez años de su debut con un EP homónimo, Arcade Fire se aprestaba a lanzar 'Reflektor', cuarto disco de estudio de una banda que pasó de pequeña promesa indie a un número consolidado. Sin ir más lejos, este disco debutó en el número 1 del Billboard 200 y además con críticas tremendamente positivas. ¿Disco del año? ¿El mejor de la banda? Así lo pintaban algunos. Y es razonable. 'Reflektor' es un álbum doble extraordinario, en donde ya sus singles dan muestra de lo que tiene: "Reflektor" y "Afterlife" son piezas notables, para escuchar una y otra vez. Pero la obra se nutre de guitarras, bajos, percusiones y sintetizadores que te sumergen en lo que estos canadienses nos han preparado. "We Exist", "Awful Sound (Oh Eurydice)"  y "It's Never Over (Hey Orpheus)" son perlas que así, a la rápida, pueden citarse sin problemas.

Bonus Track
Pixies :: EP1
lanzado el 2 de septiembre

De pronto, sin previo aviso, Pixies se atravió a lanzar material nuevo. Lo último que habíamos escuchado de ellos habían sido apenas dos canciones: "Bam Thwok", lanzada en 2004 a través de internet, y a mediados de este año "Bagboy", excelente e innovadora, y el primer material tras la salida de la célebre y fundamental Kim Deal. Lo anterior a "Bam Thwok" había ocurrido hace más de diez años. Pero este septiembre, 'EP1' vio la luz: el primer trabajo físico de la banda de Boston en 22 años. El EP, de cuatro canciones, muestra cuan frescos y vigentes están, y como la magia sigue intacta. "Indie Cindy" y "What Goes Boom" han estado sonando y mostrando a estos Pixies actuales, que en este corto material despliegan una variedad de sonidos y potencia que dan envidia. A pesar de no ser un disco propiamente tal, entre lo mejor del año para mi.

Dos Años Desde Que Amy Nos Dejó

Amy:

¿Dónde estarás? Nos dejaste de manera tan inesperada. Sí, ya sé de los excesos, de lo complicado de todo, de que tus últimos meses habían sido solo de cosas malas. Vi esa última presentación que hiciste en Glastonbury y es cierto, no fue de lo mejor. Ni se compara a aquella del 2007. Vi un montón de veces esa presentación. Cuando la veía, quedaba encantado, a pesar de aquella escena final que captaba la cámara de la BBC, en donde corrías donde Blake.

No me esperaba que te fueras tan joven.

Me quedé esperando el próximo disco que sacarías. Las noticias que buscaba o me interesaban de ti giraban en torno a eso. 'Back To Black' es un álbum tan increíblemente bueno. Es raro, pero a veces pensaba que no era tan malo que no hubiera otro disco tuyo, así tenías un discografía perfecta. Pero en general quería más, sabía que podías. La grabación del disco se hacía eterna. Siempre salían noticias de eso. Qué tal persona iba a participar, qué saldría luego, qué lo grabarías en Jamaica, qué se retrasa, etc.

Cuando estabas complicada, trataron de buscarte reemplazante. Era difícil supongo, pero nos enchufaron algo. De pronto te ponían a competir con Duffy, que cantaba con su voz de ratón el hit que tenía, "Mercy". La canción no era del todo mala, funcionaba bien para las radios, pero estaba a años luz de lo tuyo.

Me acuerdo cuando te conocí con "Rehab". Sí, fue tu salto a la fama, ya con tu segundo disco. Lamentablemente para nosotros, 'Frank' no llegó por estos lados. Nos lo perdimos. Y no voy a salir a decir que ya te ubicaba y todo: "Rehab" fue lo primero, y me pareció genial. Al principio solo la escuché, y no imaginé como lucirías. Ni me importaba, en realidad. No sé por qué pensé que tal vez serías afroamericana o algo así. Pero no. Eras una joven londinense, de cuyo frágil cuerpo salía esa voz. Y esa actitud, y esas letras.

Al final, después ti, el mundo prendió con Adele, qué tiene un gran registro, pero que como artista es convencional y correcta. Cuando empezaste a estar complicada, a presentar los primeros signos evidentes, esta rechoncha muchacha sacó un disco bien bueno que se llama '19', pero que no estaba ni de cerca de 'Back To Black'. Después de eso lanzó un disco que terminó por convertirse en un mega hit: '21', que estuvo producido por un montón de gente, entre ellos el famoso Rick Rubin. Adele ahora luce como una mega estrella, toda producida: ya no es una chica sencilla.

Cuando '21' se encumbraba sin parar, nos dejaste. Una estupidez. No lo podía creer. ¿A los 27? Sí, como Jimi, como Janis, como James, como Kurt. El club ese.

Tal vez era raro que hubiese llegado a tus canciones. Escuchaba otras cosas, pero no pude resistirme. "You Know I'm No Good". No importa.

Han pasado dos años desde que te fueras de esa manera tan rara, como no hubieramos querido. Tu papá habló bastante (lo usual!), el sello que creaste sacó un extraño disco que nunca he escuchado, y hasta Universal Music se atrevió con una compilación de presentaciones en la BBC.

La rueda sigue.

"Oceania", El Gran Retorno Del Loco Billy Corgan

Yo diría que Billy Corgan [1] enloqueció. Al menos un poco. De aquel joven melenudo que sacudía su guitarra a principios de los 90 hay varios rastros, varias pistas. No es el mismo. Y es cierto que escucharlo en declaraciones hoy en día es un poco lamentable (autoreferencia al 1000%), incluso hostigoso.

Sin embargo, el eterno líder de The Smashing Pumpkins [2] atesora una cualidad de la que solo pocas veces hemos dudado: su talento musical. Corgan es un tipo con un sentido de la melodía y del formato canción que se eleva bastante más allá de la medianía, y toca muchas veces el cielo. "Siamese Dream" (1993) o "Mellon Collie And The Inifinite Sadness" (1995) no son casualidades: hay ahí una muestra latente de un talento especial de manera constante. Incluso los ninguneados "Adore" (1998) y "Machina / The Machines Of God" (2000) son piezas robustas y entrañables. (Un servidor -yo- dice que son sus preferidos).

El retorno en 2007 de los calabazas siempre sonó un poco a estafa. No es para menos cuando uno repara en el hecho que solo la mitad de la banda original permanece intacta, siendo estos mismos integrantes aquellos que siguieron trabajando con bastante cercanía tras aquella disolución. "Zeitgeist" (2007), aquella placa que los trajo de vuelta, no convenció a muchos. A pesar de su sonido clásico, no fue capaz de entusiasmar a grandes cantidades de gente, muchos de ellos fanáticos de siempre.

Tras aquel semi abortado proyecto de "Teargarden By Kaleidoscope" [3], Corgan optó por lo sano: grabar un disco al estilo antiguo. Y para eso no se tomó tanto tiempo; el proceso debía ser breve, directo. El resultado es un disco redondo: "Oceanía", publicado en junio pasado, y que ha sido recibido con inusitado entusiasmo. Los críticos más negativos se han manifestado positivamente esta vez. ¿Es tan así? Yo diría que sí. Y que puede ser que hasta se queden un poco cortos.

"Oceanía" es un excelente disco, lleno de canciones que muestran a un Corgan inspirado, que en bastante medida se entrega por completo. De lo acústico a lo rockero; de lo simple a lo épico. Los nuevos Smashing Pumpkins abordan bastante de lo que ya hemos oído, y sin embargo suenan frescos, novedosos y hasta elegantes.

Esta vez, al loco le ha salido perfecto.

Gossip Apunta Con Fuerza Hacia Los 80

Los Gossip [1] de ahora son bastante distintos a los de hace algún tiempo. Año a año, disco a disco, su imagen se vuelve más producida, glamorosa y rebuscada. Aquellas actitudes sucias y desgarbadas ya están bien en el olvido. Además, todo ha ido de la mano de un notorio desvío de estilo, o más bien de una fuerza puesta en aquellos aspectos más pop y bailables. En eso no hay nada de malo.

Lo lamentable del caso, es que poco a poco Gossip ha pedido aquella gracia de una sencilla banda de tres personas, donde una canta, otra toca la batería y la última va de la guitarra al bajo. La puesta en escena ahora es bastante más tradicional: finalmente incorporaron más intrumentos en vivo y la ausencia de bajos o bases ya no es tal. En eso puede ser que tampoco haya nada de malo.

La cuestión es que, si bien 'Music For Men' (2009) es un álbum bastante entretenido, tendía a alejarse de la faceta garagera de 'Standing In The Way Of Control' (2006) que tan bien les resultaba. En aquel disco, la idea de canción bailable se expresaba en la forma de "Listen Up!", con un bajo juguetón y una batería que marca el pulso esperando calentar el ambiente, ya fuera tu habitación, el camino a algún lugar o aquella disco de la ciudad a la que sueles ir.

Con el último álbum, 'A Joyful Noise' (2012), editado hace menos de un mes, la banda -curiosamente- se aleja de casi todo rastro de ruido. Y de paso, se lanza de lleno a lo retro con constantes melodías que evocan a los 80. Tanto así, que a estas alturas me costaría ver mezcladas en una misma presetanción estas canciones nuevas con cortes como "Standing In The Way Of Control" o "Yr Mangled Heart", vibrantes temas que tenían todo ese espíritu rockero de antes.

Para nada 'A Joyful Noise' va a la hogera, pero sí es para unas cuantas oídas y ya. Al final, el asunto es que no queda mucho para el recuerdo o para atesorar. De cierta forma, eso es lo lamentable.

El Paso De Morrissey

La venida de Morrissey [1] se dio de manera algo fulminante. Si bien su nombre sonaba fuerte como número de la próxima versión de Lollapalloza [2], eso no resultó; en cambio, el Festival de Viña del Mar [3] se transformó en la curiosa plataforma en la que llegaría a Chile por tercera vez.

Se veía venir que ocurrirían situaciones que, a lo menos, serían curiosas. Al final, Morrissey en medio de algunas polémicas de poca monta, que rápidamente quedaron en el olvido. Lo suyo en Viña fue fugaz y algo raro. El público que iba por el británico entendió; el resto, pudo quedar algo extrañado. No es para menos en un festival cuyo enfoque está en lo popular, masivo y alejado del rock (incluso por suave que este pudiese ser).

Morrissey en Viña fue contundente y efectivo. Sin embargo, la presentación (al menos por televisión) se vio algo fría, distante y con problemas de sonido.

Santiago fue una parada diferente: una presentación personal, con una multitud que celebraba todo. Un set list bastante más certero ayudó muchísimo a engrandecer la noche. A pesar de eso, algunos pasajes de canciones algo más lánguidas o desconocidas tendían a enfriar la jornada, que alcanzó momentos de cántico general.

Una Genialidad Llamada 'Warpaint'

Como llegué a Warpaint [1] fue algo rápido, de manera directa. Y que de pronto ya estuviera viendo en vivo a este cuarteto indie lo fue incluso más, sumando lo sorpresivo.

Warpaint, integrado por cuatro talentosísimas mujeres, es un rock experimental y tremendamente hipnótico. Con apenas un disco de estudio ('The Fool', 2010) y un EP ('Exquisite Corpse', 2008), han conseguido ganarse a una audiencia bastante específica y, en ocasiones, difícil de contentar. La banda no es extremadamente digerible ni radial, aunque unos cuantos temas tienen bastante vocación pegajosa (como "Undertow" o "Billie Holiday"); a pesar de eso, resulta sencillo enganchar con canciones largas y repletas de capas de sonido y efectos. Una razón es lo bien construidas de las canciones, a nivel de melodía y estructura (aunque a veces duren más de la cuenta); otra es lo lograda de la apuesta técnicamente musical, con cuatro personas que dominan de manera sobresaliente sus instrumentos, y que, salvo la batería, llenan la atmósfera de efectos.

La presentación en Chile del 4 de octubre en el Centro Cultural Amanda [2] fue, como no, sólida y contundente. Una cuantas canciones, un gran sonido y las chicas de buen ánimo. Tal vez si hubiese durado más habría ostigado, pero no fue el caso. De momento, las beneficia una discografía escasa, pero que raya en la perfección.

Christina Rosenvinge: Teatro La Cúpula, 5/5/11

Después de pasar muchos años sin venir a Chile, Christina Rosenvinge [1] volvió el año pasado con un concierto mágico. La visita coincidía con el éxito que tenía su disco 'Tu Labio Superior', y en particular el single "La Distancia Adecuada". Fue un buen momento, una presentación cálida y sólida.

Un año después, Rosenvinge retorna al país, esta vez promocionando el disco nuevo, 'La Joven Dolores', a través de una gira por varias ciudades. La primera escala fue el 5 de mayo pasado en Santiago, en el Teatro La Cúpula [2] lleno, pero no repleto. A través de una presentación consistente, Christina cargó su repertorio al primer disco de Los Subterráneos y a sus dos últimos como solista. Si bien fue una excelente presentación, por alguna razón este show no fue mejor que el anterior. Tal vez el público no estaba mayoritariamente conectado, tal vez fue que todo fuese muy similar a lo de un año atrás. Lamentablemente, mi adorada española prefirió nuevamente cargarse a los éxitos calados, dejando de lado discos completos. Ella ya lo había anticipado en entrevistas: en latinoamérica, su repertorio se concentra en canciones en español, preferentemente conocidas; en Europa y Estados Unidos, se basa en algo más general, dando más notoriedad a las canciones en inglés. Decisión razonable y atendible, pero que deja un sabor algo agridulce en quienes la hemos seguido más de cerca.

Sin embargo, insisto: la presentación fue excelente, con Christina muy conectada con el público (al menos con una fanaticada que se lo gritaba todo), y con una banda de apoyo que sigue sólida. Claro, pudo echarse en falta la ausencia de Steve Shelley [3], pero estuvo bien de todas formas. Y las canciones nuevas salen de maravillas, salvo quizás por el 'Mi Vida Bajo El Agua', que estuvo algo falta de fuerza. Lo demás, una gozada.

17 Años Sin Kurt Cobain

Y al final pasó otra década y nadie vino a salvarnos. No hubo otro Nirvana, ni mucho menos otro Kurt.

Cuánto se te extraña, Kurt.

'Nevermind' De Nirvana: Un Bebé De 20 Años

El 24 de septiembre de este año, 'Nevermind' [1], el segundo disco de Nirvana [2], cumplirá nada menos que 20 años desde su lanzamiento. Unas semanas antes serán ya dos décadas desde que "Smells Like Teen Spirit" [3] diera el salto a las radios y las televisoras: el mundo musical no volvería a ser el mismo.
No he leído en ningún sitio algún dato exacto de cuando se habría compuesto la canción más famosa de Nirvana (y de toda la década de los 90, probablemente), pero debemos suponer que esto fuera entre finales de 1990 y las primeras semanas de 1991. La banda estrenó la canción en abril de ese año, en un concierto en Seattle en donde también hizo su debut "Pennyroyal Tea", track que sería interpretado un par de veces más en la gira de 'Nevermind', para luego quedar en el baúl y aparecer formalmente en 'In Utero' [4], la obra maestra de 1993.

Pausa

Samuel Bayer [5] era un novato en el mundo del videoclip, prácticamente un debutante. Geffen Records le encomendó la tarea de realizar el clip para "Smells Like Teen Spirit", el cual estaría ampliamente basado en una idea del propio Kurt Cobain [6]. Nada tan complicado. Para el sello, un video más; para Nirvana, la posibilidad de hacer algo más profesional y con algo más de recursos. (El clip anterior, que fue el primero que hicieron, correspondió a un demo de "In Bloom" filmado el corto tiempo y con escasos recursos [7]).
Caos, desorden y angustia adolescente: el videoclip de "Smells Like Teen Spirit" no solo era un gran clip, sino también muy distinto a lo que se veía en aquellos años. Por una parte, la perfección y los altos presupuestos de Michael Jackson; por otro, rockeros de papel en vergonzosos momentos glam.

Pausa

A Kurt Cobain le niegan la entrada a los estudios en donde se graba Saturday Night Live! [8]. Una persona de producción acude en su ayuda, indicándole al personal de seguridad que es integrante de Nirvana, la banda que se presentará en el programa esa noche. El cabello teñido rojo, ropa harapienta y actitud completamente informal puede que no ayudaran mucho a creerle que formaba parte del número musical de ese capítulo [9] [10].
Ese día, el 11 de enero de 1992, Nirvana se presentó por primera vez en SNL. Coincidencias de la vida, ese mismo día el ranking Billboard indicó que el trío de Seattle había desplazado a Michael Jackson del número 1. Ese día era histórico [11].

Nirvana en en cielo

30 de agosto de 1992, Festival de Reading, Reino Unido [12]. Dave Grohl [13] está en la batería, mientras Krist Novoselic [14] se encuentra parado frente al micrófono. Es el turno de que Nirvana haga su presentación como número estelar en un festival de bastante reputación en Europa. La banda se había presentado el año pasado como banda soporte de Sonic Youth [15], en las presentaciones de la tarde. Ahora era diferente: son el número de cierre, y miles de personas se han quedado para verlos.
Krist presenta a una señora en silla de ruedas; un sujeto la trae desde el backstage. Kurt Cobain, con un larga y artificial peluca se levanta de la silla, entona un par de frases de la canción "The Rose", y se deja caer. A los segundos se levanta, toma la guitarra y arranca uno de los momentos cumbres en la historia de Nirvana. Tal vez sea aquel instante en que la multitud corea "Lithium" el que más erice los pelos, en una escena de emoción estremecedora. Es, hasta ese instante, el momento cumbre a donde 'Nevermind' los ha llevado. Y aquí, 20 años después de que por primera vez una disquería pusiera a la venta ese disco con un bebé nadando desnudo en una piscina siguiendo a un billete de un dólar [16], seguimos recordando un álbum que a muchos nos cambió la vida.

El Fin De 'The White Stripes'

De cierta forma se veía venir; pero igual nos sorprendimos. Y nos pusimos tristes cuando el pasado 2 de febrero, The White Stripes [1] anunció su fin. El dúo de Michigan había logrado sacudir un rato el ambiente musical en la década pasada, en medio del aburrimiento reinante, la falta de originalidad y aquella necesidad de espontaneidad. No fueron los más famosos, ni quienes cosecharon más hits, pero de aquella breve ola de bandas garage que aparecieron a comienzos de este siglo, estuvieron dentro de los más auténticos y brillantes.

Meg y Jack White nos quisieron hacer creer que eran hermanos, pero no nos convencieron. Sí lo hicieron de que dos personas, despojadas de manías, egos y parafernalia, podían ser tan poderosos como cualquier otra banda de rock. Aquí menos era más, dos eran suficientes.
Quienes los vimos en su visita a Chile en 2005, asistimos a una muestra de potencia y feeling fuera de serie. Meg y su batería (y a veces un pandero), Jack y sus guitarras (y más tarde teclados, pianos y hasta xilófonos): no necesitaban más.

Afortunadamente nos dejaron varios y grandes discos. Ellos lo saben: la banda vivirá para siempre.

Mi Disco Del Año: "The Suburbs" de Arcade Fire

Descubrí a Arcade Fire [1] un poco tarde, cuando el segundo disco ya llevaba un tiempo en la calle. Sin embargo, con esta banda canadiense fue amor a primera vista. O a primera escucha. Y ya conociéndolos, viví más de cerca la aparición de 'The Suburbs', el tercer disco de estudio de este sexteto de Montreal, que ha terminado por marcar completamente este año.

Al escuchar el disco las primeras veces, no podía creer lo bueno que era. Me resultaba hasta insólito que después de dos primeros discos tan grandiosos, vinieran y se despacharan una nueva joya. Pero ya con el correr de los meses (el álbum fue lanzado en agosto), empecé a creer que, en realidad, el disco era completamente lógico. Lo verdaderamente extraño hubiera sido un error, un álbum lamentable, un fiasco. 'Funeral' (2004) fue un debut sorprendente y sólido; a su vez, 'Neon Bible' (2007) fue una muestra de que la banda no era un chispazo, una mera casualidad. No, aquí había genio. Por eso, que el tercer disco fuese grandioso era casi lo esperable.

'The Suburbs' es el más variado y creativo de los álbumes publicados, aunque tal vez le falte una pizca de la frescura del primero, y otra pizca de la solidez del segundo. Pero es por decir algo, ya que se trata de un disco que consigue innovar y que, a la vez, lleva a su máxima expresión el sonido con el que nos habían deleitado. Muestra de un lado y otro son, por ejemplo, "Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)" y "Ready To Start", una suma de aciertos en un disco donde no sobra nada.

Smashing Pumpkins: Corgan Y Una Buena Dosis De Rock

Y finalmente llegaron. Con una puntualidad extraordinaria (visto solo antes con Radiohead [1]), salieron a escena en cuanto el reloj marcó las nueve de la noche. Fue bastante hipnótico ver subir a Billy Corgan [2] al escenario, quien a estas alturas es sinónimo de Smashing Pumpkins [3]. Ya tomando los instrumentos, partieron con "My Love Is Winter", canción que hasta el momento sólo han presento en vivo.

Ver a los calabazas implicó varias cosas, entre ellas cerrar un ciclo, alcanzar un instante largamente esperado. Corgan y compañía -a la distancia- están conscientes de aquello, pero en su justa medida. Dentro del setlist nos presentaron imprescindibles como "Bullet With Butterfly Wings", "Zero", "Today" y "Ava Adore" (increíble y potente), así como grandes canciones más recientes, incluyendo "Tarantula" y "A Song For A Son", de lo que venían a presentar.

Hay que admitirlo: las dos horas de show se pasaron volando, y el repertorio fue justo y equilibrado, lo viejo y lo nuevo. Cabida para "Disarm" (un clásico) y para "A Stitch In Time" (del primero de una serie de EP recientes), ambas con Corgan y su guitarra acústica frente a la audiencia.

Algo hay en los Smashing Pumpkins de hoy que, a pesar de no parecer una banda en el sentido más puro y estricto de la palabra, siguen vivos. Billy Corgan y su gran habilidad de componer canciones que superan con creces la medianía de calidad (hay un puñado de verdaderas joyas, para que engañarse) está ahí, al servicio de un montón de seguidores que aun creen y le rezan al gigante, delgado y calvo sujeto que tantas alegrías nos dio en los 90. El paso por Chile este 23 de noviembre fue un poco eso: nostalgia y novedad a través de un Corgan que tiene más años, pero que sigue sabiendo como sacarle lo mejor a su guitarra y a su creatividad.

Pixies En Chile: Pagando Una Deuda

Fue un miércoles 13 de octubre. Día de buen clima y día de mi cumpleaños. Eran las 8 de la noche, y Pixies [1] estaba a un par de horas de saltar al escenario en el Teatro La Cúpula [2]. Ya los había visto días antes, en el marco del Festival Maquinaria [3], pero esto era distinto. Este sería un concierto de ellos en solitario, sin esperas ni compañías. Eso no era malo, pero era esto lo que esperábamos varios.

Cuando el cuarteto saltó al escenario, con una hora de retraso, comenzaba a saldarse un deuda. Ellos no lo sabían, pero nosotros sí. Queríamos tanto a Pixies, que ni siquiera nos irritamos por la demora. Después de todo, la excusa sonaba bien: el rescate de los 33 mineros atrapados en la Mina San José [4]. El propio Black Francis lo dijo: la ocasión era para celebrar (salieron al escenario cinco minutos después del último minero rescatado), y ellos lo harían interpretando 33 canciones. Sonaba extraordinario, y más lo sería cuando comprobamos que en realidad fueron 35 temas, dos ellos correspondientes al encore.

Pero desde el inicio, con 'Cecilia Ann' y 'Rock Music', que quedamos atrapados. Yo no podía creer que la banda estuviese abriendo el concierto con las dos primeras canciones de "Bossanova", su disco de 1990 (sin duda, el menos popular, a pesar de ser una joya). ¡Qué genial! De ahí en más, un paseo al que nos entregamos y que gozamos, a pesar de los errores, a pesar de la demora, y a pesar de un idiota que casi arruina el show a último minuto [5].

Estamos pagados.

Pixies y Smashing Pumpkins: Anuncio De Un Año Redondo

2009 quedó marcado para mi, en cuanto a conciertos, por Radiohead [1] y Depeche Mode [2]. Este año podría serlo por Pixies [3] y Smashing Pumpkins [4], si todo sigue su camino y las visitas se concretan sin contratiempos de último minuto. Ya tengo mi ticket para Pixies; ahora voy por los Pumpkins.

La visita de Pixies será la primera al país. Desde que volvieron a reunirse en 2004, la banda no ha lanzado material nuevo (a excepción del single "Bam Thwok"), y durante el año pasado dedicaron sus presentaciones a recrear de principio a fin su disco 'Doolittle', obra maestra lanzada en 1989.

Smashing Pumpkins viene a Chile por segunda vez. La anterior fue en 1998, durante la gira promocional de 'Adore'. En aquella oportunidad, la banda ya venía fragmentada tras el despido de Jimmy Chamberlain, el baterista de siempre. Tras un disco más, los Pumpkins se separaron en diciembre de 2000. Sin embargo, Billy Corgan volvió a la carga con su banda en 2007, aunque solo fuera de la mano del ya mencionado batero, quien terminó abandonando el proyecto a principios de 2009.

Sin echar pie atrás, Corgan ha seguido solo, buscando integrantes más o menos fijos. Desde ahí, se ha lanzado a la idea de un disco de 44 canciones, titulado 'Teargarden By Kaleidyscope', la cuales serán regaladas una a una a través del sitio web de la banda. A razón de una por mes (aproximadamente), Corgan y compañía llevan recién 5 canciones liberadas.

Con un mes y medio de diferencia llegarán estas grandes bandas (Pixies el 9 de octubre y Smashing Pumpkins el 23 de noviembre) , y verlas coronará un 2010 que pinta para memorable.

'Aphrodite' de Kylie Minogue: Entretenido, Pero Olvidable

Kylie Minogue [1] vuelve al disco, el undécimo, tras tres años. El anterior fue el bastante sólido y trabajado 'X' (2007), álbum en el que la australiana daba una buena muestra de pop efectivo y bien ejecutado.

'Aphrodite', con una portada horrorosa que poco tiene que ver con el sonido del álbum, es una idea clara de Minogue: una colección de canciones para la pista de baile. Claro, no todas las canciones son movidas, pero la tendencia es notoria, e incluso admitida por la cantante. Se lo propuso, y de alguna manera cumplió.
Tras terminar de escucharlo por segunda vez, pensé en que la idea de Kylie es parecida a lo que en su momento hizo Madonna [2] con 'Confessions On A Dance Floor': un disco con vocación discotequera.

El retorno de Minogue es irregular. Se trata, en buenas cuentas, de un disco muy por debajo de lo que fue 'X', y ni hablar de 'Fever'. Funciona hasta cierto punto, tiene ritmo, y a lo que apunta, llega. Digamos que una buena parte de las canciones funcionarían perfecto en la disco. Prueba de ello son "Illusion", "Get Outta My Way", "Cupid Boy", o el primer single "All The Lovers", canción bastante pegajosa y lograda, con un videoclip lamentable y penoso.
Sin embargo, mucho me temo que en un tiempo más pasaremos olímpicamente de este disco, y nos quedaremos con trabajos anteriores, que con diferencia están más logrados. Será para la otra.