Un Cierre Inesperado

Con la cabeza en otras cosas, dejé pasar algo la noticia acerca del fin del Departamento de Animación de Studio Ghibli. Toshio Suzuki, productor y cofundador del estudio, lo anunció sin tanto detalle hace una semana y media en medio de su participación en un programa de la televisión japonesa. Es una pena. Es saber que, al final de cuentas, los números apenas azules de los últimos films hicieron que el realizar películas se volviera demasiado costoso. Y si bien el estudio como compañía no se acaba, ver una nueva obra audiovisual surgida de Ghibli es algo que no parece posible ni siquiera en el largo plazo.

En sus cerca de 30 años de existencia, Studio Ghibli realizó 21 películas para cine y una para televisión. Hayao Miyazaki, uno de los fundadores, fue no solo quien más aportó en la producción de estas obras; además, fue quien más tuvo éxito, y fue el verdadero pilar de la compañía. Incluso el nombre de Ghibli deriva de su afición a la aeronáutica, y el logo surgió de una de sus películas más queridas, 'Mi Vecino Totoro' [1988].

Por ahora, lo que queda es seguir deleitándose, volver a mirar o descubrir aquello que se nos pudo haber pasado. Al menos, hay obras cinematógraficas para siempre.

10 Años De La Novia

"Revenge is a dish best served cold"

Uma Thurman fue una inspiración. No la mía, pero sí la de Quentin Tarantino. Después de haber realizado "Pulp Fiction" (1994), la idea era concretar esa idea que ambos habían bosquejado durante la filmación de la segunda película del parlanchín director. Uma, de cierta forma, era una obsesión para Quentin. Ella era la muza.

Más allá del hecho que en los créditos de "Kill Bill Vol.1" (2003) dijera que el personaje era una creación de Q&U, lo cierto es que todo era un entramado del propio Tarantino, quien se sumergió en una historia de violencia en su estilo, con mucha buena música, tomas perfectamente planificadas y detalles que homenajeaban o calcaban a otras películas. Pero todo esto tardó tiempo. Entremedio, Tarantino se lanzó en la realización de "Jackie Brown" (1997), la única película que ha realizado que adapta una novela. El resto, todas creaciones personales, en ese habitual popurrí.

"Kill Bill" fue llegando mucho más lejos. Lo que en un comienzo se presentó como una sencilla película con elementos de artes marciales que se filmaría en China y Texas, se extendió mucho más allá de lo pensado. La filmación en China se prolongó por unos cuantos meses y Tarantino fue ampliando las escenas y parte de la historia, que en cualquier caso no era demasiado amplia. A la larga, esto generó un problema: el corte final de la cinta sería demasiado extenso. ¿Qué hacer? Miramax propuso en un comienzo recortar al máximo el film; sin embargo, esto no era muy sencillo. Tarantino quería presentar toda la historia. ¿Entonces? Una solución sencilla: partir la historia en dos películas. En plena época de sagas (Harry Potter, El Señor de los Anillos, Matrix, Spiderman o Star Wars, por nombrar lo que se lanzaba en esos años), esto sonaba como una buena solución.

Bajo este concepto, Tarantino optó por darle un tono distinto a ambas partes. De paso, organizó la historia como un rompecabezas en la primera parte (que no cuenta demasiado de la trama total) y concentró el grueso del relato en la segunda. Fue un buen plan, funcionó. "Kill Bill Vol.1" es ágil y entretenida, con escenas de acción y música acelerada; "Kill Bill Vol.2" se toma su tiempo, se carga a las explicaciones y al diálogo (sello distintivo del cine de Tarantino) y la historia cobra fuerza.

Recuerdo mi llegada a la película: a través de una copia pirata que se veía bastante bien. Quedé tan entusiasmado con lo visto, que le decía a otras personas que la vieran. Repasaba escenas en mi casa e invitaba a mi hermano a que la viéramos. Esperaba esa continuación, la segunda parte del relato. Eso era un buen punto: "Kill Bill Vol. 1" terminaba por lo alto, en un momento memorable.

"Kill Bill Vol.2" llegó algo así como medio año después, ya en 2004. Las expectativas eran altas y muchos salieron algo defraudados. Criticaban la falta de acción y el exceso de diálogo. A la larga, esos elementos fueron los que más me gustaron del segundo volumen, que lo disfruto hasta muchísimo más que el primero. Y visto con el correr del tiempo y los diversos visionados, tiende a parecerme algo cancino que el primer volumen casi no ofrezca historia Su salida del coma, dos enfrentamientos y el tema del sable, nada más.

A pesar de todo, sigo disfrutando mucho de "Kill Bill" como historia global. Ya sea Los Angeles, Texas o Japón, me encantan los andares de la novia en busca de esa venganza que, como dice Bill en un momento de la segunda, es por pura satisfacción. "All those people you killed to get to me... felt damn good, didn't they?". "Yes!", dice la novia, a esas alturas Beatrix Kiddo.

Después de esta historia, Tarantino se embarcó en proyectos de diversa índole, destacando lo que fue "Grindhouse" junto a su amigo Robert Rodríguez, en donde firmaba el segmento "Death Proof" (2007); más tarde llegaría "Inglourious Basterds" (2009) y recientemente "Django Unchained" (2012), dos filmes que le valieron premios, principalmente por sus guiones. Pero fue ese momento de hace 10 años el que lo hizo enfrentar una producción de gran envergadura y salir airoso, y quedar preparado para proyectos como los más recientes.

Al hablador, chistoso y violento Tarantino le funcionó.

"The lioness has been reunited with her cub, and all is right in the jungle"

'Valiente', Lo Que Pixar Entiende Por Una Princesa

Las expectativas respecto de la nueva película de Pixar [1], 'Valiente' ['Brave'] [2], eran altas de una manera diferente. Ya fuera por el tipo de historia escogida (de princesas) o por el semi fiasco que significó 'Cars 2' (2011) [3], varias miradas se posaron con curiosidad sobre la compañía de la lámpara. Como detalle adicional, la premiación de los Oscar de este año fue la primera en no nominar a película de Pixar a la categoría de Mejor Película de Animación desde que se instauró (y siempre  que Pixar estrenara alguna): todo un desagravio [4].

Brenda Chapman [5], persona clave en el Disney de los 90, llevaba un buen tiempo trabajando en Brave, su segunda película, aunque la primera dentro de Pixar. No solo era un semi debut, sino también la primera ocasión que una mujer estaría a cargo de una película, quien además no formaba parte del circulo de hierro que forma el equipo creativo de la compañía. ¿Saldría airosa? No lo sabíamos, pero debemos suponer que alguna clase de problema hubo: como segundo director se designó a Mark Andrews [6], quien a la larga terminó figurando primero en los créditos. Pero dejando de lado cualquier idea previa, era el resultado final el que preocupada, aquel que aparecería en pantalla y que, a juzgar por lo trailers, lucía prometedora.

Para suerte de todos, 'Valiente' resultó ser una película Pixar en toda regla: bonita, técnicamente perfecta, con una heroína carismática, acompañada de unos secundarios para recordar. La historia, bien desarrollada y por momentos sorprendente. Después de verla, creo que los trailers fueron correctos, pero destacaron aspectos del film de manera equivocada. En ellos se veían chistes algo tontos y la historia de aventura y viaje de nuestra heroína. Sin embargo, los chistes en cuestión resultaron muy divertidos en el contexto de la historia; por otro lado, al final Merida, nuestra heroína, no hace realmente un viaje o aventura. O al menos no en el sentido espacio/tiempo esperado. Más bien hay un crecimiento personal, un viaje por las relacionanes personales y familiares.

¿Quedará inscrita 'Valiente' como un clásico Pixar? El tiempo lo dirá. Lo que podríamos creer, eso sí, es que se trata de una película que está por encima de las dos entregas de 'Cars', y probablemente también sobre 'Bichos' ('A Bug's Life', 1998). ¿Alguna otra? Después de un segundo visionado podría llegar a decirlo. Por ahora, me queda claro que se trata de una gran película, por sobre lo que las compañías de la "competencia" proponen al público.

El Día En Que Pixar Se Tropezó

Pixar [1] está de cumpleaños: ya son 25 años [2] desde que comenzara la aventura de la animación por computadora. Sin embargo, este hito coincide con el primer tambaleo de la compañía, que ha visto como Cars 2 [3] no ha obtenido los elogios de filmes anteriores, ni la taquilla de un público demasiado entusiasta. La película, de cierta forma, ha ido contra todo: Cars [4], el primer film, es sin duda el menos brillante que ha nacido de Pixar; visto así, desde temprano se cuestionó el intentar una segunda parte (que por su pura condición de secuela ya sería sospechosa). En el camino, John Lasseter [5] decidió darle un giro al espíritu de la primera, volviendo a esta segunda parte en una aventura imparable, con intrigas y disparos. Y eso, debo decirlo, está bien.

Tras la función, me he quedado con ganas de volver a verla. Quisiera detenerme en detalles, darle un repaso a todo. Así, en una primera instancia, Cars 2 me pareció una buena aventura, con una intriga que está bastante bien. Los personajes nuevos (tanto los buenos como los malos) me han gustado mucho, y se incorporan al mundo de la película de gran manera. Quizás haya un problema con aquellos que aparecen apenas un instante, ya que se complica cogerlos apropiadamente (claro caso cuando la trama se centra en Italia).

Cars 2 pasará a la historia de Pixar como el primer traspié en varios aspectos. Por mucho que como película se defienda bastante bien, queda de manifiesto que al compararla con joyas recientes como Ratatouille [6], Wall-E [7], Up [8] o Toy Story 3 [9], sale perdiendo. Y bastante.

Tal vez, como ya pasó hace cinco años, Pixar no se lleve el Oscar a mejor película de animación. Pero como vivimos de esperanza, Cars 2 viene acompañada del teaser trailer de Brave [10] [11], película que desde ya tiene una apariencia alucinante.

Los Oscar Apuntaron Bajo

El pasado domingo 27 de febrero, la industria de Hollywood tuvo su cita anual en los Premios de la Academia [1], comúnmente llamados Oscar. Y en una noche que no estuvo ni tan mal, ni tan brillante, de cierta forma ninguna película arrasó. La cosa estuvo media repartida, aunque no faltó quién no tocó nada.
Sin embargo, fueron tres de las categorías principales las que podríamos denominar polémicas. O tal vez, directamente injustas. A pesar de ser una película correcta, que 'El Discurso del Rey' ('The King's Speech' [2]) se llevara los premios a mejor película, director y guión original suena a robo o estafa. O más bien, a una exageración incomprensible.
Ya lo dije: 'El Discurso del Rey' es una película correcta, amable y que resulta grato ver. Pero de ahí a que se llevará los premios que les mencioné, suena a mucho. ¿Mejor guión original? 'El Origen' ('Inception' [3]), 'El Vencedor' ('The Fighter' [4]) y 'Mi Familia' ('The Kids Are All Right' [5]) tienen mejores guiones. ¿Mejor Director? No hay por donde. Era un premio fijo para David Fincher por 'Red Social' ('The Social Network' [6]). El trabajo de Tom Hopper en 'El Discurso...' es correcto, pero no tiene nada destacable. ¿Mejor Película? De ninguna manera. 'El Discurso...' tal vez solo sea mejor que '127 Horas' ('127 Hours' [7]), pero todas las demás son mejores. De ser justos, el premio tendría que haber ido a parar a 'Toy Story 3' [8], sino a 'Red Social', las mejores de las 10 nominadas.
Pero así son las cosas, y al fin esto es solo una premiación. Una más. Y como dijo Steven Spielberg antes de entregar el premio principal de la noche: las películas que no se lleven el premio a mejor película quedarán en una lista en donde también están 'Ciudadano Kane' ('Citizen Kane') y 'Toro Salvaje' ('Raging Bull').

'Psycho' Y 'The Shining': Dos Clásicos De Aniversario

Cosas de la vida, este año 'Psicosis' ('Psycho', 1960) y 'El Resplandor' ('The Shining', 1980), sendas obras de mis dos directores de cine preferidos, cumplieron años cerrados. Los 50 años del gran clásico de Alfred Hitchcock, y los 30 de la enigmática y controvertida película de Stanley Kubrick las tienen aquí, en plena forma, aún siendo recordadas y debatidas después de tanto tiempo. Ambas jugaron no sólo un rol importante en la historia del cine, sino también dentro de un genero al que comúnmente se les asocia, como es el del terror (o el horror, como señalan otros). Y dentro de ese encasillamiento, ambas corren con ventaja.

En la década de los 50, Hitchcock tuvo uno de sus periodos más memorables y famosos. Esa etapa finaliza, de cierto modo, con 'Psycho', en donde el maestro del suspenso hace uso de su maestría en todos los aspectos posibles. Ya sea montando una campaña viral extraordinaria o dejando en shock a la audiencia cuando la película no iba ni por la mitad. Hitchcock filmó con un ritmo asombroso y trepidante una historia que atrapa, con un final que te deja aferrado a la silla, llevándote a una resolución completamente psicótica. Y para eso, el gran Hitch usó el misterio durante la filmación, un casting soberbio, a un Bernard Herrmann en estado de gracia componiendo su más famoso score, un equipo reducido (venidos en su mayoría de su serie de televisión) y la idea de filmar en blanco y negro completamente a propósito, aun cuando ya hace años había dado el salto al color.

20 años más tarde, Stanley Kubrick entregó una enigmática película, basada en una regular novela de Stephen King. Era el intento del neoyorquino de tener más audiencia, tras la decepcionante taquilla de 'Barry Lyndon', una obra maestra incomprendida por el público de 1975. En esencia, Kubrick se pasó por el forro el detallado, fantasioso y cansino argumento de 'El Resplandor', novela con la que King había alcanzado inusitada notoriedad. En vez de ser fiel al material original, Kubrick prefirió tomar solo los elementos principales y dejar muchos detalles a la intriga y la observación. Agregó material propio y apostó por jugar en un terreno más personal. La película fue un éxito de taquilla, pero la crítica la aplastó. Sin embargo, y como fue habitual en el cine de Kubrick, el correr de los años y las posteriores proyecciones terminaron por elevar a 'The Shining' a película de culto, llena de detalles y juegos mentales, apta para ver con detenimiento y luego, en plan post función, charlar y teorizar.

Dos joyas que, por cierto, vale la pena volver a ver. Por enésima vez.

5 Películas Anunciadas En Blu-ray Que Quiero (Y Mucho)

King Kong (1933)
28 de Septiembre
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Clásico enorme del cine, que ya en 2005 vio una edición especial en DVD grandiosa. En blu-ray esperamos encontrar una imagen con algo más de definición, aunque es difícil creer que llegará a los niveles de 'Casablanca' (1941) o 'Qué Bello Es Vivir' ('It's A Wonderful Life', 1946), películas posteriores a ésta que en Alta Definición hacen gala de un asombroso blanco y negro.

'Psycho' (1960)
19 de Octubre
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La obra más conocida del maestro Alfred Hitchcock debuta en una edición que le rinde tributo como se merece. Gracias a que a principios de agosto fue lanzada en Reino Unido, sabemos de su asombroso transfer, que repara los largos años que llevamos con ediciones poco prolijas. Universal, a quien le tenemos algo de miedo por ediciones anteriores, se ha lucido.

Apocalypse Now (1979)
19 de Octubre
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El mismo día que 'Psycho' debuta en blu-ray 'Apocalypse Now', que junto a 'El Padrino' ('The Godfather', 1972), son las obras cumbres de Francis Ford Coppola. El pack incluirá tanto la versión original de cine, así como la extendida denominada Redux. Además, la edición de tres discos llevará 'Hearts Of Darkness', apetecido documental acerca del film, antes solo disponible de manera individual y limitada.

The Goonies (1985)
2 de Noviembre
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'Los Goonies' verán la luz con bastante retraso (en Europa fue editada hace dos años), pero a cambio en la Zona A tendremos una edición de colección, con un montón de regalos. La película, un clásico infantil-familiar de los 80, es una aventura imperdible, que quienes la gozamos en su momento no hemos olvidado.

The Sound Of Music (1965)
2 de Noviembre
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Querida y odiada a partes iguales, 'The Sound Of Music' (que en latinoamérica la bautizaron tristemente como 'La Novicia Rebelde') me parece un gran clásico musical. Aunque la historia no sea realmente tan extraordinaria, y que el argumento, ambientado en plena Segunda Guerra Mundial, trate de manera tan superficial temáticas políticas, son cuestiones que se perdonan. Después de todo, esta película tiene un carisma fuera de dudas, y una seguidilla de canciones que son de lo mejor.

La Supremacía De 'Toy Story 3'

Me he tardado en sentarme a escribir acerca de 'Toy Story 3' [1], undécima película de Pixar [2], dirigida por Lee Unkrich [3]. Habiéndola visto ya dos veces, me siento algo más seguro.
Me preguntaba sobre qué decir, como partir todo esto. 'Toy Story' (1995) es una película mágica y extraordinaria; 'Toy Story 2' fue la muestra de solidez creativa de la compañía, y de paso un raro de ejemplo de que las segundas partes pueden ser tan buenas o mejores que la primera. ¿Sería 'Toy Story 3' una chapuza? ¿La primera caída de Pixar? ¿O tal vez una obra completamente innecesaria?
Tenía mis dudas. Nunca quise una continuación; prefería que esta dupla de obras maestras quedaran ahí. ¿Habría material para una nueva entrega?

Tras terminar de verla por segunda vez, solo confirmé mi primera impresión al verla en el estreno: 'Toy Story 3' es una obra monumental, grandiosa de principio a fin. Y no sé bien como lo han hecho, pero han dado con una gran historia, y los personajes han vuelto a la vida manteniendo su esencia, sin vulnerarla.

'Toy Story 3' sigue en la línea de las otras dos, pero sin embargo se aleja, avanza, va un paso adelante. Digamos que hace juego con las películas más recientes de Pixar, ya sea 'Ratatouille' (2007) o 'Up' (2009), en una línea claramente más "adulta" (como odio ocupar este concepto, pero no se me ocurre otro menos peor). Mientras la miraba, comprobaba una vez más que el grupo de trabajo en Pixar es fuera serie: han alcanzado una inusitada perfección para contar historias, buenas historias: ritmo trepidante, humor, sentimientos, emoción. 'Toy Story 3' llega a juguetear (nunca mejor dicho) con el thriller y el suspenso. Todo en su justa medida. Vamos, que no se olvidan que se trata de una película familiar.

Quisiera hacer un breve resumen de qué va la historia, pero también me he dado cuenta que es mejor saber menos. Digamos (otra vez) que se trata de un final digno y extraordinario para estos personajes tan queridos, en donde la combinación humor-drama está presente de manera poderosa, precisa y eficiente.

30 Años Sin Hitchcock

La vida de Alfred Hitchcock [1], célebre director de cine británico que más tarde sumó la nacionalidad estadounidense, fue fructífera. Como ya lo mencioné hace algunos meses [2], a lo largo de sus 51 años de carrera filmó 53 películas. Toda una cifra que hoy, a 30 años de su muerte, sigue impresionando y deleitando. Buena parte de su obra, principalmente la más famosa, permanece vigente y actual.
Entre sus múltiples joyas [3], la más famosa también está de celebración. Se trata de 'Psicosis' ('Psycho', 1960 [4]), que cumple 60 años de buena vida. Varios medios, en mayor o menor medida, se han acordado de alguno de los dos acontecimientos (o de los dos), y Hitchcock ha vuelto a estar presente.
Tal vez cabría tomar una de sus películas y escribir. Ya será, será...

Hitchcock se fue a los 80 años, un 29 de abril de 1980. Estaba ya muy enfermo y anciano; aún así tenía ganas de más, siempre con el cine en la cabeza. Quería que 'Trama Macabra' ('Family Plot', 1976 [5]) no fuese el capítulo final, que hubiesen más películas. No se pudo.
Pero con todo, bastante nos dejó para explorar.
Gracias Hitch.

'Toy Story' & 'Toy Story 2' En 3-D: La Experiencia

Pensé que no llegarían, que perderíamos las oportunidad. Pero de pronto, sin previo aviso, las versiones 3-D de 'Toy Story' (1995) y 'Toy Story 2' (1999) [1] se estrenaron. La tragedia que vivió -y vive- el país hizo que pasaran un poco desapercibidas; aún así, un puñado de entusiastas nos dejamos caer en las salas, a pesar del pánico.

Aproveché de ver ambas. Primero, por una cosa de tiempo; segundo, por que no durarían mucho en cartelera. Así, de corrido, viví una pequeña maratón que me permitiría ver por primera vez en cines estas películas, en esta ocasión con el ultra manoseado plus de la tercera dimensión, y las gafas, y la onda cool.

Las películas de Pixar [2] no necesitan de artificios que no aportan mucho para que sean grandes obras. En ese sentido, 'Toy Story' y 'Toy Story 2' se defienden solas. Son clásicos, y este visionado lo comprueba. A pesar de los años transcurridos, las películas siguen vigentes, siguen siendo poderosas y sorprendentes, y las mejoras naturales en la técnica de la animación digital de las películas más recientes no las hace palidecer.

Ésta no era mi primera experiencia con el 3-D. Unas semanas antes había visto 'Avatar' (James Cameron, 2009 [3]), de manera que podía comparar. Supongo que lo más llamativo de estas tres películas, en versiones en tercera dimensión, es lo que ganan en el aspecto de la profundidad. Sigo pensando que es lo más notable: la sensación de que algunos elementos del plano se encuentren en forma notoria a distancias perceptibles, ya sean personas u objetos, es lo que más rescato.

Y comparando, creo que el trabajo de reconversión al 3-D de las dos 'Toy Story', películas no realizadas para este formato, es grandioso. Claro, 'Avatar' resulta deslumbrante en su aspecto visual, y las gafas hacen verdadera magia. De eso, que duda cabe. Aún así, revivir estos clásicos ha sido un deber, y en esa tarea la recompensa ha sido total.

Trago Amargo En El Cine Del 2009

2009 no fue un año tan potente para el cine como lo fue el anterior. Los superhéroes quedaron a la espera y las sagas apenas se mostraron. Sin embargo, sentí el trago amargo de dos películas a las que les tenía cierta gana, aunque fuese más curiosidad que otra cosa. Por una parte, 'Terminator: La Salvación' (Terminator Salvation,[1]), cuarta entrega de la saga comenzada brillantemente por James Cameron [2] en 1984. Por otra, lo nuevo de Quentin Tarantino [3], 'Bastados Sin Gloria' (Inglorious Basterds,[4]), quien regresaba tras ese experimento junto a Robert Rodríguez [5] llamado Grindhouse, en donde se anotaba con la irregular 'Death Proof' ([6],2007).
Ninguna de las dos pudo convencerme. Me sentí defraudado con una y con otra.

A 'Terminator: La Salvación' había que tenerle miedo. Ya era sospechoso que un sujeto como McG [7] se hiciera cargo del proyecto, aún cuando Christian Bale se hubiese sumado. Quienes temíamos, confirmamos los sentimientos. 'Terminator: La Salvation' es una indecente continuación de la saga, que no aporta casi nada, y en donde ni siquiera salva la acción. De cierto suspenso y emoción, o de la presencia de robots con alguna gracia que nos sorprenda mejor ni hablar, ya que no hay. Arnold Swarznegger [8] no aparece, y algún villano tipo Robert Patrick [9] como el T-1000 no existe. El John Connor adulto que nos prometieron, en manos de Bale, es un asco. Se supone sería el líder de la resistencia humana contra los cyborgs, pero no lo sigue nadie. Y sus decisiones tienen tan poco peso, que nos sentimos defraudados. Tal vez se les haya ocurrido darle más peso en una supuesta quinta entrega, porque aquí no ha sido.
Buena parte de la trama se centra en un soldado que ha sido sometido a un extraño procedimiento en 2003, y que despierta sin entender mucho en un futuro desolador. Lamentablemente, gracias a la forma en que está contada la historia, y a los conocimientos previos que tenemos de toda la saga, un hecho que supuestamente que nos debiera sorprender, resulta en la obviedad. Si es por darle un punto, podría ser que de todas formas se deja ver, que al menos para verla en casa está bien.

En la otra vereda, Quentin Tarantino volvía con un ambicioso proyecto: una historia bélica de ficción ambientada en la Segunda Guerra Mundial, en donde un grupo de soldados estadounidenses se dedican a matar nazis en la Francia ocupada. Debo decir que la idea me resultaba bastante atractiva, pensando que podría devenir en una película ágil, violenta y marcada por el estilo Tarantino. Según corrían los meses, se señalaba que se trataría de una película más al estilo superproducción que a pequeña gema indie. Aún así, tenía fe, la que se aplacó cuando me enteré que Tarantino había acelerado su realización con el fin de estrenar en el Festival de Cannes [10]. Al terminar de ver la película, pude confirmar que este hecho terminó por afectar negativamente al film: parece que el guión, elemento distintivo en el cine de Tarantino, fue escrito en forma acelerada, sin pensar mucho. Faltó que, al terminarlo, siguiera trabajando en él.
Tarantino no logra enfocarse en ningún punto de manera decente, todo como que está a medias. Uno lee un poco del argumento, el nombre de la película (tremendamente sugerente) y mira el cartel, con esa banda de basterds dispuestos a patear traseros, y espera algo potente. Al final, uno queda frustrado, con un sabor amargo.
A mi hermano, con quien vi la película, le decía que la historia me parecía como una montaña rusa: es un sube y baja violento, unas partes notables y otras para el olvido. Esto último no tanto por lo malas que son ciertas situaciones, sino por que uno queda indiferente, en una película en donde no te terminas encariñando con casi ningún personaje.

'Ponyo': Una Historia Íntima Y Tierna De Hayao Miyazaki

'Ponyo' ('Gake no Ue no Ponyo', 2008 [1]) es lo nuevo de Hayao Miyazaki. Lo de nuevo es, claro, hasta por ahí nada más: la película se estrenó hace más de un año en Japón, pero en Latinoamérica está desembarcando recién. Lo que jode es que en los países en que ya se ha estrenado (México y Argentina) se le dio el horrible título de 'El Secreto de la Sirenita'. Yo me niego ha utilizarlo, y solo le digo Ponyo.
Miyazaki se había mantenido estos años en reserva, trabajando silenciosa y detalladamente en su película, la cual tomó como inspiración la historia de 'La Sirenita', fábula de 1837 escrita por el danés Hans Christian Andersen. A partir de ahí, de esa idea, Miyazaki dejó volar su imaginación.

'Ponyo' es una historia sencilla, pero no vale la pena resumir o dar muchas luces de lo hecho por Miyazaki, para así dejarse sorprender gratamente. En esencia la historia va de Ponyo, una pequeña pececita (una niña, en términos prácticos), muy curiosa y con deseos de ir más allá, de salir de ese mar inmenso que a la vez la mantiene atrapada. Además, junto a sus decenas de hermanas, sufre de un cuidado infranqueable. Pero un día consigue escapar, llegar a la superficie. Lamentablemente quedará atrapada en un envase de cristal, en donde irá a parar a la costa. Será ahí donde un niño llamado Sosuke, que vive a pasos del lugar, la encontrará y salvará.

Este preámbulo, que dura poco más de diez minutos, será el inicio de una historia con varias aristas, en donde jugarán papel importante los padres de Sosuke (personajes grandiosos), una diosa y un custodio del mar, y un grupo de ancianos. Con ternura, con escenas divertidas, con tristeza, con aventura. Una animación asombrosa y una historia donde, como es usual en el cine de Miyazaki, varias sensaciones se entremezclan, perfectamente dosificadas. 'Ponyo', sin ser ni de lejos la mejor película del maestro, es una joya en muchísimos aspectos, que a la vez viene a demostrar lo vigente del cineasta japonés. Tal vez, debido a su sencillez y sus personajes, se emparente con aquel clásico que es 'Mi Vecino Totoro' ('Tonari no Totoro', 1988), tanto en el tono, el ritmo y el estilo.

Excelente.

Hitchcock Hace 110 Años

El 13 de agosto de 1899, hace 110 años, nacía en Inglaterra Alfred Joseph Hitchcock [1], quien llegaría a convertirse en uno de los directores de cine más legendarios de todos los tiempos. En 51 años de trayectoria, Hitchcock se forjó una fama casi tan grande como la de Chaplin y tan respetada como la de Orson Welles o Stanley Kubrick, lo que es avalado por buena parte de sus 53 películas [2].

A lo largo de su vida como director, Hitchcock vivió de todo. Pasó de asistente de dirección a mítico director; de joven promesa a leyenda viviente; del cine mudo al sonoro; del blanco y negro al color; del cine tradicional en pantalla cuadrada a experimentar con el 3-D y quedarse con el afamado Widescreen. Hitchcock patentó la idea de hacer un pequeño cameo en cada una de sus películas. Tuvo dos series de televisión con su nombre, en las cuales dirigió personalmente algunos episodios. Colecciones de cuentos elegidos por él se encontraban en las librerías. Su imagen, su silueta, aquella idea del 'gordito simpático' que tanto le fastidió en su juventud, se transformó en su firma. Hitchcock fue, y de cierta forma todavía lo es, un fenómeno. Pero además de eso, un genio.

Pero finalmente Hitchcock fue su cine. Ahí está todo, están sus ideas, sus historias, sus intereses. A eso dedicó su vida, desde cuando debutó a los 27 años como director con 'The Pleasure Garden' (1925), hasta el día de su muerte en 1980, a los 80 años de edad. Hitchcock hizo mucho, y esa obra está ahí. ¿Cómo se puede recordar a Hitchcock? Pues viendo sus películas. A 110 años de su nacimiento, he aquí mis 11 preferidas, en orden cronológico.

• 1935 - The 39 Steps
• 1940 - Rebecca
• 1946 - Notorious
• 1948 - Rope
• 1951 - Strangers On A Train
• 1954 - Rear Window
• 1956 - The Man Who Knew Too Much
• 1958 - Vertigo
• 1959 - North By Northwest
• 1960 - Psycho
• 1963 - The Birds

"El Proyecto De La Bruja De Blair" A 10 Años

Hace casi 10 años, en julio de 1999, se estrenó en Estados Unidos el documental "El Proyecto De La Bruja De Blair" ["The Blair Witch Project" [1]], el cual muestra las imágenes encontradas por la policía de Maryland y editadas por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, en donde vemos el trabajo realizado por los jóvenes estudiantes de cine Heather Donahue, Joshua Leonard y Michael C. Williams. Los tres compañeros se encontraban filmando un documental acerca de la leyenda de la bruja de Blair, cuando desaparecieron en el bosque de Burkittsville sin dejar rastro. El auto abandonado de uno de ellos fue la primera pista...

"El Proyecto de la Bruja de Blair" fue un truco muy bien ideado. Los nóveles directores Myrick y Sánchez tenían en mente realizar un falso documental, y la idea era engañar a todos. Para eso, rodaron la película con cámaras caseras y semi profesionales; los actores ocuparon sus verdaderos nombres; crearon una serie de rumores, noticias y sitios en internet haciendo creer a los inocentes que todo había sido verdad. Pero no. "El Proyecto de la Bruja de Blair", experimento que apenas costó 22 mil dólares y que terminó recaudando casi 250 millones, engañó a muchos en su estreno. ¡Una bomba!

Sin embargo, este plan mediático costó algo caro. Los críticos del mundo no se tomaron muy bien la idea, y con el correr de los años la película fue quedando en el olvido. Hoy, a diez años de su estreno, me estremezco. Cuando me senté en el cine entré en ese mundo. Me tomé todo en serio, les seguí el juego, y terminé con el corazón palpitante. Hasta hoy me parece que "El Proyecto..." es una gran película, que logra lo que se propone, que está jodidamente bien ideada. Y vaya final... Aún lo tengo clavado en la memoria, a diez a años su estreno.

"Up: Una Aventura De Altura", Obra Magistral De Pixar

Hoy, jueves 11 de junio, se ha estrenado en Chile "Up: Una Aventura De Altura" [1], la décima película de los genios de Pixar [2]. El arribo del film ocurre con dos semanas de retraso respecto de Estados Unidos, algo que no sucedía desde "Cars" (2006 [3]). En su momento, tanto "Ratatouille" (2007 [4]) como "Wall-E" (2008 [5]) fueron estrenos simultáneos. En fin... Me encontraba ansioso, expectante, pero esta tarde la deuda fue saldada. Junto a "Up" pudimos ver el nuevo cortometraje de Pixar, "Parcialmente Nublado" ("Partly Cloudy" [6]), y los trailers de "Toy Story 3" (junio de 2010 [7]) y "La Princesa Y El Sapo" ("The Princess And The Frog", diciembre de 2009 [8]), perteneciendo ésta última al Canon Oficial Disney [9].

Yendo al punto: "Up" es una película grandiosa. Sin duda, una nueva obra maestra de Pixar. Una gran historia, un grupo de personajes entrañables y avances técnicos impresionantes al servicio de la narración. Pete Docter [10], integrante desde los orígenes en Pixar y quien había tenido a su cargo la dirección de "Monsters, Inc" (2001 [11]), sale victorioso en esta décima entrega de la compañía.

"Up" es la historia de Carl Fredricksen, un anciano solitario y gruñón. Motivos tiene: junto a él ya no está el amor de su vida, su esposa, y una constructora tiene su hogar cercado, jodiéndole la vida para que venda su casa. Tras un incidente con personal de la constructora, un jurado lo obliga a irse a una casa de retiro para ancianos. Sin embargo, Fredricksen tiene una idea distinta. Decide atar un montón de globos a su casa y partir volando hacia Sudamérica, en busca de un antiguo sueño. Lamentablemente para el anciano, Russell, un niño explorador que había intentado ayudarlo con una buena acción, resulta que también va en la casa. Juntos vivirán una serie de situaciones, de aventuras y de peligros.

El toque Pixar vuelve contundente a la película, en la medida que la historia muestra su lado sensible, retratado de manera insuperable tan solo arrancar el film. Las historias personales tanto de Carl como Russell son historias que, en sus respectivos mundos, son similares. La aventura los unirá, los hará ver las cosas de manera diferente. Claro, cada cual a su manera, ya sea en la de alguien que lleva una larga vida, como en la de quien recién comienza.

Mención aparte a un buen puñado de chistes, graciosos y precisos. 'Up' es una película que merece dos pulgares arriba, muchos aplausos y muchos agradecimientos. Pixar lo hizo otra vez. 

David Carradine Is Gone

Cuando ayer se supo de la muerte de David Carradine [1], de 72 años, la noticia circuló de manera rápida. Su muerte, que en un principio suponía suicidio, derivó rápidamente en otras teorías. Independiente de lo que fuera -siendo la teoría de hipoxifilia [2] la más difundida a estas alturas- , la noticia perturbó a muchos. Claramente hablamos de la pérdida de un gran actor, que muchos recuerdan con cariño gracias a Kung Fu [3], serie de la primera mitad de los setenta de la cual Carradine era el protagonista, hasta quienes tenemos más en mente al "villano" de Kill Bill [4] [5], la película de Tarantino presentada en dos volúmenes debido a su duración.

Una lástima la muerte de este emblemático actor, del cual quedará su obra para revisitarlo.

'Up' Con Sorpresa: Teaser Trailer De 'Toy Story 3'

Esta semana ha llegado una nueva obra de Pixar [1]. 'Up' [2] es la nueva película de la mejor compañía de animación del mundo, marcando un hito bastante especial: es el décimo largometraje de la compañía. Acá en Chile, eso sí, tendremos que esperar. El día del estreno en el país, así como en el de muchos vecinos del continente, corresponde al día 11 de junio próximo. Como novedad se cuenta el hecho de que será el primer largometraje de Pixar en estrenarse en formato 3-D [3], además del tradicional. En aquel instante ya podremos saber como va la nueva película de estos genios inagotables. Ya en su momento, escribiré sobre aquello.

La sorpresa en Estados Unidos ha ido de la mano del teaser trailer de 'Toy Story 3' [4], la cual verá la luz en junio del próximo año. Falta tiempo, pero no tanto. De momento, he aquí este aperitivo.

10 Años Sin Kubrick

Eran los primeros días de marzo de 1999. Stanley Kubrick [1] había terminado "oficialmente" su más reciente película 'Ojos Bien Cerrados' ['Eyes Wide Shut' [2]] y se disponía a mostrársela a su familia, a los actores y a los ejecutivos de Warner Brothers [3] en su casa en las afueras de Londres. La reacción de los asistentes a esa función privada fue muy positiva, incluso entusiasta. Kubrick se sintió muy contento, y así se lo hizo saber a su esposa Christiane [4]. Cuatro días después, el 7 de marzo, Kubrick sufrió un paro cardíaco mientras dormía. Era el fin de un maestro, que nos dejaba a la edad de 70 años. 4 meses después, el mundo vio el estreno de su última obra, que de paso implicó una serie de polémicas debido a su contenido, así como a las dificultades del rodaje. Somos muchos quienes nos preguntamos cuán distinta podría haber sido esta película si Kubrick hubiese seguido trabajando en ella hasta el momento del estreno. ¿Qué habría tenido de menos? ¿Qué de más?

A 10 años de su muerte, sigo con Kubrick. Así como de mis otros héroes del mundo artístico (pueden revisar este blog y ver que me gusta), cada día pienso en algo que tenga que ver con él o con alguna de sus películas. Imágenes que recorren mi mente, escenas, diálogos, momentos musicales. Y a la vez, pienso en como mi entusiasmo por este cine ha quedado congelado, suspendido en un tiempo infinito. ¿Que más hubiese hecho Stanley Kubrick si siguiese vivo? Tal vez nada. Quizás tendría algo en mente, quizás estaría demasiado viejo.

A 10 años ya y su obra sigue ahí, presente y duradera. Kubrick, al infinito y más allá.

'Wall-E' & 'The X-Files: I Want To Believe' : Dos Mundos

Antes de que terminara el 2007, sabía cuales serían las dos películas que vería este año con seguridad: por una parte, el noveno film de mis héroes de Pixar [1], "Wall-E" [2], y el retorno de Mulder y Scully a través de "Los Expedientes Secretos X: Quiero Creer" [3], segunda película de una de las series más famosas y alabadas de la década anterior [4].

¿Podría Pixar volver a superarse?. ¿Sería buena idea revivir una serie que ya terminó hace seis años?. Todo era cuestión de tiempo. De meses. De una mitad de año que, en ese instante, estaba por venir.

Wall-E es un desafío en varios sentidos. El enfoque es tan serio y conmovedor que se vuelve difícil de expresar de una forma clara. Wall-E, el personaje, es entrañable. Carismático, creativo y con corazón. Todo eso y más en un robot de forma cuadrada que tiene la pesada labor de compactar la basura de un planeta destruido, cuyos habitantes se han marchado hace 700 años atrás esperando a que mejore, y cuya vida actual a bordo de una nave-hotel-centro comercial es superficial, aburrida y patética.
Wall-E, dirigida y escrita por el histórico integrante de Pixar Andrew Stanton [6] ("Buscando A Nemo" [7], 2003), es un paquete de historias y mensajes perfecto. Así, tal cual, como lo suele hacer Pixar. Aquella historia de amor con Eva, aquella aventura espacial, aquella del mensaje ecológico, aquellas referencias a Stanley Kubrick [8], aquella magia. El hecho de que los primeros treinta o cuarenta minutos de la película no contengan ninguna voz, y sólo se oigan pequeños ruidos mecánicos, habla justamente de un riesgo por hacer algo diferente. Esta vez de algo visual, de algo que no necesita palabras. Pues sí: Wall-E es así como la cruza entre Kubrick y Chaplin [9], entre "2001: Odisea Del Espacio" y "Luces De La Ciudad", con aquella magia que sólo Pixar, el mejor estudio de animación del mundo, sabe dar. Definitivamente, mi película del año.

En la otra vereda, "Los Expedientes Secretos X: Quiero Creer" ("The X-Files: I Want To Believe"), creación de Chris Carter, marca el retorno de una de las series emblema de la década de los noventas. "Los Expedientes X" [1993] ha sido siempre una de mis series de televisión preferidas, aunque la ubicaría como en mi cuarto o quinto lugar personal.
La serie fue la que creó el estilo cinematográfico en la pantalla chica, y en este sentido le deben muchísimo otras surgidas con posterioridad, como "Los Soprano", "24" o "Lost". La incursión previa en el cine de Mulder y Scully, los personajes principales, fue en 1998 con "Fight The Future", y el saldo fue bastante bueno. Aquel estreno, ocurrido entre la quinta y la sexta temporada, significó el peak de fama del programa, y logró sumar un montón de seguidores más.
Pero, diez años después de eso, y a seis del término de la serie, ¿era necesaria una nueva película? Yo diría que sí, que todavía se podían contar más historias. Además, el final abierto de su último episodio permitía seguir avanzando en la historia central del programa, aquella mitología llena de conspiraciones.
Y a pesar de la desfavorable recepción, tanto de críticos, fans y taquilla, yo la he encontrado bastante decente. Algo así como un episodio de calidad media, que trae de vuelta a una de las parejas más emblemáticas de la televisión. Claro, muchos elementos mal planteados, algunos lugares comunes y una historia que no engancha del todo se contrastan con una atmósfera que rescata el espíritu del programa (aunque algunos digan lo contrario) y terminan por originar una película que se defiende, que no es un completo fiasco.

"Be Kind Rewind": Gondry Y Sus Películas

Lo digo desde ya: para mí, Michel Gondry [1] es algo así como el Orson Welles o el Stanley Kubrick del videoclip. O sea, un genio absoluto, lleno de inventiva, perfección y calidad. Por lo mismo, su paso inminente al mundo del cine, de los largometrajes, era cuestión de tiempo. Y ese llegó en 2002 con 'Human Nature' [2], un excelente guión de Charlie Kaufman [3] que fue un cuasi fracaso de taquilla y de crítica. Está bien, admito los muchos defectos de la cinta, pero en términos generales es una buena película.

En 2004, Charlie Kaufman escribiría un asombroso guión que Gondry llevó al cine. Aquello fue 'Eterno Resplandor De Una Mente Sin Recuerdos' ['Eternal Sunshine Of The Spotless Mind' [4]), película de presupuesto moderado convertida en gran obra de culto. Pero, ¿qué pasó luego?. Gondry decidió embarcarse en su próximo proyecto en solitario, creando la historia y escribiendo el guión. El resultado fue la deficiente 'La Ciencia Del Sueño' ['La Science Des Rêves', 2006 [5]), una historia bellamente filmada, pero con un argumento apenas regular.

Y luego de una espera de un par de meses, ya he visto su última obra: 'Por Favor, Rebobinar' ['Be Kind Rewind', 2008 [6]). El film, que según su trailer promete ser una comedia pura, en realidad no lo es tanto. Es algo así como una película nostálgica, salpicada de humor.
El argumento, completamente fantasioso, prometía mucho para mí: El Sr. Fletcher (Danny Glover) es dueño de un videoclub a la antigua: sólo VHS. El edificio en el que éste se encuentra es un viejo edificio que piensan derrumabar para dar paso a la modernidad. La tienda tiene un dependiente, Mike (Mos Def), un chico humilde y empeñoso que tiene un amigo, Jerry (Jack Black), quien siempre va a fastidiar a la tienda, dejando algún destroso de paso. Por lo mismo, el Sr. Fletcher le encarga de sobremanera que su amigo se mantenga alejado de la tienda mientras él va a un viaje que tiene como objetivo obtener ideas que beneficien a su negocio.
Mientras tanto, Jerry, que es un paranoico, quiere sabotear la planta de energía de la ciudad. Para tal cometido, termina por convencer a su amigo que lo acompañe. Sin embargo, Jerry termina recibiendo un fuerte golpe de corriente. Al día siguiente, Jerry se aparecerá en la tienda de Mike. Será en ese momento cuando descubrán que Jerry ha quedado sobrecargado de energía electromagnética, y que de paso ha borrado todas las películas del videoclub.
Ante tal situación, ¿qué se les ocurre?. Pues, con una cámara casera, grabar sus propias versiones de las películas arruinadas, las cuales sólo duran 20 minutos, con el fin de sustituirlas. Parten con 'Los Cazafantasmas' ['Ghostbusters', 1984], la cual tiene mucho éxito. Ante la demanda de la gente, terminarán rodando en forma casera un montón de estos remakes, entre ellas '2001: Odisea Del Espacio' ['2001: A Space Odyssey', 1968], 'RoboCop' [1987], 'King Kong' [1933], 'Una Pareja Explosiva 2' ['Rush Hour 2', 2001] y 'Conduciendo A Miss Daisy' ['Driving Miss Daisy', 1989].

Aunque la idea me suene muy atractiva, insisto en el escaso interés que va generando la película en la medida en que ésta va avanzando. Es como si esa buena idea fuera sólo eso. Tal vez la mano de Kaufman en el guión hubiese ayudado, pero no hay mucha vuelta.
Tal vez la última escena esté bien, y en el fondo uno se quede con una buena sensación. Pero aun así, me he quedado con un sabor amargo, de falta de contundencia y desarrollo.

Recomendable por lo interesante y por Michel Gondry. Será para la próxima-