Mis 6 Discos Del 2013 (+ 1 EP)

La música, siempre ahí, presente para ser la banda sonora de uno, para ser la compañía, la inspiración, la expresión, el entretenimiento, el ocio, y cuánto más.

2013 fue un año interesante para la música: cargado y variado. Tal vez todos quedaron contentos.

No lo hacía hace algunos años, pero he aquí 6 razones por las que -para mí- el 2013 fue una gozada musical. Compañeros de caminatas y momentos, 6 discos que me encantaron, sin orden, solo de manera cronológica.

1.-
Jorge González :: Libro
lanzado el 28 de febrero

Después de 14 años, Jorge González volvió formalmente a su carrera solista con el lanzamiento de 'Libro'. El disco, un álbum sencillo, pero sorprendentemente sólido y redondo, muestra a González entregándolo todo, con una honestidad y sensibilidad abrumadora. El repaso de su relación rota o de la distancia con su hijo se levantan como temas que marcan. Pero 'Libro' es también un álbum que apela a la melodía y a la contundencia de la mano de alguien que sabe al respecto. Prueba de ello son precisamente los cortes "Nunca Te Haría Daño" y "Es Muy Tarde", entre la que se cuela un logradísimo cover de "Arauco Tiene Una Pena", clásico de Violeta Parra. Todo el disco va por lo alto.

2.-
David Bowie :: The Next Day
lanzado el 8 de marzo

A sus 66 años, David Bowie, genio y figura, se permitió retornar al mundo musical de manera imprevista, tras diez años fuera, de la mano de un disco brutal, sólido, moderno y tremendamente inspirado. Cortes como "Valentine's Day", "How Does the Grass Grow?" o "Where Are We Now?" dan muestra de que, a pesar del tiempo, Bowie consigue seguir siendo relevante y cautivador, y un genio a la hora ponerse manos a la obra.

3.-
Depeche Mode :: Delta Machine
lanzado el 22 de marzo

El trío inglés sigue de manera exacta lanzando discos cada cuatro años, lo que viene ocurriendo desde hace 20 años con 'Songs Of Faith And Devotion'. 'Delta Machine' es un disco fabuloso, porque siento que por fin resulta ser tan certero, tan bien logrado. Vamos, tan conseguido de principio a fin. Eso casi ocurrió con 'Playing The Angel' de 2005, pero aquí ya es completo. Desde "Welcome To My World" hasta "Goodbye", Depeche Mode da muestra para qué sirven las máquinas, y aquello de lo mejor que pueden hacer en este momento, uno de los mejores de su carrera. "My Little Universe", "Should Be Higher", "Slow" y "Secret To The End" son apreciados cortes de un álbum que te atrapa de principio a fin.

4.-
Gatillazo :: Siglo XXI
lanzado el 2 de abril

De manera casi exacta, cada año por medio, los punks vascos de Gatillazo, especie de continuación de los míticos La Polla Records, se las arreglan para lanzar un disco que, además de sonar cada vez mejor, sea una divertida y alegre muestra de odio y descontento. El mítico Evaristo sigue haciendo lo que mejor sabe, con una solidez que te deja arriba, por lo alto, con un subidón de alegría y mala hostia a partes iguales."Nos sale un poco violento, no lo toméis a mal, solo hemos venido a divertirnos" anuncian desde el comienzo, con una explosión de rock que, a pesar de no ir en la senda de innovar, es de la mejor factura dentro del estilo. "Esclavos Del Siglo XXI", "Ultras", "Siempre Te Amaré" y "Bla-Bla-Bar" son una buena muestra de ello.

Por lejos, el disco que más he escuchado durante el año.

5.-
Vampire Weekend :: Modern Vampires Of The City
lanzado el 14 de mayo

A pesar de los años, los neoyorquinos de Vampire Weekend lucen más o menos igual. Su apariencia bonachona ha visto como su sonido ha tendido a evolucionar levemente. 'Modern Vampires Of The City' es el paso siguiente, un camino que va bien. Sin dar un salto demasiado sustancial, queda la sensación de que éste es el mejor disco que la banda ha podido facturar. Sin momentos de aburrimiento, solo con un puñado de canciones notables, en donde tratan, hacen ese esfuerzo, por incorporar nuevos elementos, nuevas ideas. Tal vez esa distorsión o deformación de la voz sea lo más notorio. "Diane Young" y "Unbelievers" son buenas formas de promocionar y presentar el disco; "Everlasting Arms" y "Don't Lie" pueden ser ejemplos adicionales de un álbum excelente.

6.-
Arcade Fire :: Reflektor
lanzado el 28 de octubre

A diez años de su debut con un EP homónimo, Arcade Fire se aprestaba a lanzar 'Reflektor', cuarto disco de estudio de una banda que pasó de pequeña promesa indie a un número consolidado. Sin ir más lejos, este disco debutó en el número 1 del Billboard 200 y además con críticas tremendamente positivas. ¿Disco del año? ¿El mejor de la banda? Así lo pintaban algunos. Y es razonable. 'Reflektor' es un álbum doble extraordinario, en donde ya sus singles dan muestra de lo que tiene: "Reflektor" y "Afterlife" son piezas notables, para escuchar una y otra vez. Pero la obra se nutre de guitarras, bajos, percusiones y sintetizadores que te sumergen en lo que estos canadienses nos han preparado. "We Exist", "Awful Sound (Oh Eurydice)"  y "It's Never Over (Hey Orpheus)" son perlas que así, a la rápida, pueden citarse sin problemas.

Bonus Track
Pixies :: EP1
lanzado el 2 de septiembre

De pronto, sin previo aviso, Pixies se atravió a lanzar material nuevo. Lo último que habíamos escuchado de ellos habían sido apenas dos canciones: "Bam Thwok", lanzada en 2004 a través de internet, y a mediados de este año "Bagboy", excelente e innovadora, y el primer material tras la salida de la célebre y fundamental Kim Deal. Lo anterior a "Bam Thwok" había ocurrido hace más de diez años. Pero este septiembre, 'EP1' vio la luz: el primer trabajo físico de la banda de Boston en 22 años. El EP, de cuatro canciones, muestra cuan frescos y vigentes están, y como la magia sigue intacta. "Indie Cindy" y "What Goes Boom" han estado sonando y mostrando a estos Pixies actuales, que en este corto material despliegan una variedad de sonidos y potencia que dan envidia. A pesar de no ser un disco propiamente tal, entre lo mejor del año para mi.

10 Años De La Novia

"Revenge is a dish best served cold"

Uma Thurman fue una inspiración. No la mía, pero sí la de Quentin Tarantino. Después de haber realizado "Pulp Fiction" (1994), la idea era concretar esa idea que ambos habían bosquejado durante la filmación de la segunda película del parlanchín director. Uma, de cierta forma, era una obsesión para Quentin. Ella era la muza.

Más allá del hecho que en los créditos de "Kill Bill Vol.1" (2003) dijera que el personaje era una creación de Q&U, lo cierto es que todo era un entramado del propio Tarantino, quien se sumergió en una historia de violencia en su estilo, con mucha buena música, tomas perfectamente planificadas y detalles que homenajeaban o calcaban a otras películas. Pero todo esto tardó tiempo. Entremedio, Tarantino se lanzó en la realización de "Jackie Brown" (1997), la única película que ha realizado que adapta una novela. El resto, todas creaciones personales, en ese habitual popurrí.

"Kill Bill" fue llegando mucho más lejos. Lo que en un comienzo se presentó como una sencilla película con elementos de artes marciales que se filmaría en China y Texas, se extendió mucho más allá de lo pensado. La filmación en China se prolongó por unos cuantos meses y Tarantino fue ampliando las escenas y parte de la historia, que en cualquier caso no era demasiado amplia. A la larga, esto generó un problema: el corte final de la cinta sería demasiado extenso. ¿Qué hacer? Miramax propuso en un comienzo recortar al máximo el film; sin embargo, esto no era muy sencillo. Tarantino quería presentar toda la historia. ¿Entonces? Una solución sencilla: partir la historia en dos películas. En plena época de sagas (Harry Potter, El Señor de los Anillos, Matrix, Spiderman o Star Wars, por nombrar lo que se lanzaba en esos años), esto sonaba como una buena solución.

Bajo este concepto, Tarantino optó por darle un tono distinto a ambas partes. De paso, organizó la historia como un rompecabezas en la primera parte (que no cuenta demasiado de la trama total) y concentró el grueso del relato en la segunda. Fue un buen plan, funcionó. "Kill Bill Vol.1" es ágil y entretenida, con escenas de acción y música acelerada; "Kill Bill Vol.2" se toma su tiempo, se carga a las explicaciones y al diálogo (sello distintivo del cine de Tarantino) y la historia cobra fuerza.

Recuerdo mi llegada a la película: a través de una copia pirata que se veía bastante bien. Quedé tan entusiasmado con lo visto, que le decía a otras personas que la vieran. Repasaba escenas en mi casa e invitaba a mi hermano a que la viéramos. Esperaba esa continuación, la segunda parte del relato. Eso era un buen punto: "Kill Bill Vol. 1" terminaba por lo alto, en un momento memorable.

"Kill Bill Vol.2" llegó algo así como medio año después, ya en 2004. Las expectativas eran altas y muchos salieron algo defraudados. Criticaban la falta de acción y el exceso de diálogo. A la larga, esos elementos fueron los que más me gustaron del segundo volumen, que lo disfruto hasta muchísimo más que el primero. Y visto con el correr del tiempo y los diversos visionados, tiende a parecerme algo cancino que el primer volumen casi no ofrezca historia Su salida del coma, dos enfrentamientos y el tema del sable, nada más.

A pesar de todo, sigo disfrutando mucho de "Kill Bill" como historia global. Ya sea Los Angeles, Texas o Japón, me encantan los andares de la novia en busca de esa venganza que, como dice Bill en un momento de la segunda, es por pura satisfacción. "All those people you killed to get to me... felt damn good, didn't they?". "Yes!", dice la novia, a esas alturas Beatrix Kiddo.

Después de esta historia, Tarantino se embarcó en proyectos de diversa índole, destacando lo que fue "Grindhouse" junto a su amigo Robert Rodríguez, en donde firmaba el segmento "Death Proof" (2007); más tarde llegaría "Inglourious Basterds" (2009) y recientemente "Django Unchained" (2012), dos filmes que le valieron premios, principalmente por sus guiones. Pero fue ese momento de hace 10 años el que lo hizo enfrentar una producción de gran envergadura y salir airoso, y quedar preparado para proyectos como los más recientes.

Al hablador, chistoso y violento Tarantino le funcionó.

"The lioness has been reunited with her cub, and all is right in the jungle"

Esas Ganas De Escribir

Por alguna razón, hay quienes tenemos, de vez en cuando, ganas de escribir. Este medio, un blog, es una buena herramienta.

Cuando partí, para un cumpleaños de hace 6 años atrás, mi única expectativa era pasar de la primera entrada. Si cumplía un año, era un síntoma muy positivo. Trataba de encontrar temas, cosas que me interesaran y que, eventualmente, le interesaran a alguien más. A quien fuera.

Mi mejor lector era (soy) yo. Pero era agradable si hubiera alguien más. Un comentario, por pequeño que fuera, era un logro fabuloso.

Quiero seguir escribiendo, quiero encontrar ese disco que me vuele la mente, esa peli con la que flipe, ese sitio que me sorprenda.

Escribiré aún.

Gracias J.

Dos Años Desde Que Amy Nos Dejó

Amy:

¿Dónde estarás? Nos dejaste de manera tan inesperada. Sí, ya sé de los excesos, de lo complicado de todo, de que tus últimos meses habían sido solo de cosas malas. Vi esa última presentación que hiciste en Glastonbury y es cierto, no fue de lo mejor. Ni se compara a aquella del 2007. Vi un montón de veces esa presentación. Cuando la veía, quedaba encantado, a pesar de aquella escena final que captaba la cámara de la BBC, en donde corrías donde Blake.

No me esperaba que te fueras tan joven.

Me quedé esperando el próximo disco que sacarías. Las noticias que buscaba o me interesaban de ti giraban en torno a eso. 'Back To Black' es un álbum tan increíblemente bueno. Es raro, pero a veces pensaba que no era tan malo que no hubiera otro disco tuyo, así tenías un discografía perfecta. Pero en general quería más, sabía que podías. La grabación del disco se hacía eterna. Siempre salían noticias de eso. Qué tal persona iba a participar, qué saldría luego, qué lo grabarías en Jamaica, qué se retrasa, etc.

Cuando estabas complicada, trataron de buscarte reemplazante. Era difícil supongo, pero nos enchufaron algo. De pronto te ponían a competir con Duffy, que cantaba con su voz de ratón el hit que tenía, "Mercy". La canción no era del todo mala, funcionaba bien para las radios, pero estaba a años luz de lo tuyo.

Me acuerdo cuando te conocí con "Rehab". Sí, fue tu salto a la fama, ya con tu segundo disco. Lamentablemente para nosotros, 'Frank' no llegó por estos lados. Nos lo perdimos. Y no voy a salir a decir que ya te ubicaba y todo: "Rehab" fue lo primero, y me pareció genial. Al principio solo la escuché, y no imaginé como lucirías. Ni me importaba, en realidad. No sé por qué pensé que tal vez serías afroamericana o algo así. Pero no. Eras una joven londinense, de cuyo frágil cuerpo salía esa voz. Y esa actitud, y esas letras.

Al final, después ti, el mundo prendió con Adele, qué tiene un gran registro, pero que como artista es convencional y correcta. Cuando empezaste a estar complicada, a presentar los primeros signos evidentes, esta rechoncha muchacha sacó un disco bien bueno que se llama '19', pero que no estaba ni de cerca de 'Back To Black'. Después de eso lanzó un disco que terminó por convertirse en un mega hit: '21', que estuvo producido por un montón de gente, entre ellos el famoso Rick Rubin. Adele ahora luce como una mega estrella, toda producida: ya no es una chica sencilla.

Cuando '21' se encumbraba sin parar, nos dejaste. Una estupidez. No lo podía creer. ¿A los 27? Sí, como Jimi, como Janis, como James, como Kurt. El club ese.

Tal vez era raro que hubiese llegado a tus canciones. Escuchaba otras cosas, pero no pude resistirme. "You Know I'm No Good". No importa.

Han pasado dos años desde que te fueras de esa manera tan rara, como no hubieramos querido. Tu papá habló bastante (lo usual!), el sello que creaste sacó un extraño disco que nunca he escuchado, y hasta Universal Music se atrevió con una compilación de presentaciones en la BBC.

La rueda sigue.

"Oceania", El Gran Retorno Del Loco Billy Corgan

Yo diría que Billy Corgan [1] enloqueció. Al menos un poco. De aquel joven melenudo que sacudía su guitarra a principios de los 90 hay varios rastros, varias pistas. No es el mismo. Y es cierto que escucharlo en declaraciones hoy en día es un poco lamentable (autoreferencia al 1000%), incluso hostigoso.

Sin embargo, el eterno líder de The Smashing Pumpkins [2] atesora una cualidad de la que solo pocas veces hemos dudado: su talento musical. Corgan es un tipo con un sentido de la melodía y del formato canción que se eleva bastante más allá de la medianía, y toca muchas veces el cielo. "Siamese Dream" (1993) o "Mellon Collie And The Inifinite Sadness" (1995) no son casualidades: hay ahí una muestra latente de un talento especial de manera constante. Incluso los ninguneados "Adore" (1998) y "Machina / The Machines Of God" (2000) son piezas robustas y entrañables. (Un servidor -yo- dice que son sus preferidos).

El retorno en 2007 de los calabazas siempre sonó un poco a estafa. No es para menos cuando uno repara en el hecho que solo la mitad de la banda original permanece intacta, siendo estos mismos integrantes aquellos que siguieron trabajando con bastante cercanía tras aquella disolución. "Zeitgeist" (2007), aquella placa que los trajo de vuelta, no convenció a muchos. A pesar de su sonido clásico, no fue capaz de entusiasmar a grandes cantidades de gente, muchos de ellos fanáticos de siempre.

Tras aquel semi abortado proyecto de "Teargarden By Kaleidoscope" [3], Corgan optó por lo sano: grabar un disco al estilo antiguo. Y para eso no se tomó tanto tiempo; el proceso debía ser breve, directo. El resultado es un disco redondo: "Oceanía", publicado en junio pasado, y que ha sido recibido con inusitado entusiasmo. Los críticos más negativos se han manifestado positivamente esta vez. ¿Es tan así? Yo diría que sí. Y que puede ser que hasta se queden un poco cortos.

"Oceanía" es un excelente disco, lleno de canciones que muestran a un Corgan inspirado, que en bastante medida se entrega por completo. De lo acústico a lo rockero; de lo simple a lo épico. Los nuevos Smashing Pumpkins abordan bastante de lo que ya hemos oído, y sin embargo suenan frescos, novedosos y hasta elegantes.

Esta vez, al loco le ha salido perfecto.

'Valiente', Lo Que Pixar Entiende Por Una Princesa

Las expectativas respecto de la nueva película de Pixar [1], 'Valiente' ['Brave'] [2], eran altas de una manera diferente. Ya fuera por el tipo de historia escogida (de princesas) o por el semi fiasco que significó 'Cars 2' (2011) [3], varias miradas se posaron con curiosidad sobre la compañía de la lámpara. Como detalle adicional, la premiación de los Oscar de este año fue la primera en no nominar a película de Pixar a la categoría de Mejor Película de Animación desde que se instauró (y siempre  que Pixar estrenara alguna): todo un desagravio [4].

Brenda Chapman [5], persona clave en el Disney de los 90, llevaba un buen tiempo trabajando en Brave, su segunda película, aunque la primera dentro de Pixar. No solo era un semi debut, sino también la primera ocasión que una mujer estaría a cargo de una película, quien además no formaba parte del circulo de hierro que forma el equipo creativo de la compañía. ¿Saldría airosa? No lo sabíamos, pero debemos suponer que alguna clase de problema hubo: como segundo director se designó a Mark Andrews [6], quien a la larga terminó figurando primero en los créditos. Pero dejando de lado cualquier idea previa, era el resultado final el que preocupada, aquel que aparecería en pantalla y que, a juzgar por lo trailers, lucía prometedora.

Para suerte de todos, 'Valiente' resultó ser una película Pixar en toda regla: bonita, técnicamente perfecta, con una heroína carismática, acompañada de unos secundarios para recordar. La historia, bien desarrollada y por momentos sorprendente. Después de verla, creo que los trailers fueron correctos, pero destacaron aspectos del film de manera equivocada. En ellos se veían chistes algo tontos y la historia de aventura y viaje de nuestra heroína. Sin embargo, los chistes en cuestión resultaron muy divertidos en el contexto de la historia; por otro lado, al final Merida, nuestra heroína, no hace realmente un viaje o aventura. O al menos no en el sentido espacio/tiempo esperado. Más bien hay un crecimiento personal, un viaje por las relacionanes personales y familiares.

¿Quedará inscrita 'Valiente' como un clásico Pixar? El tiempo lo dirá. Lo que podríamos creer, eso sí, es que se trata de una película que está por encima de las dos entregas de 'Cars', y probablemente también sobre 'Bichos' ('A Bug's Life', 1998). ¿Alguna otra? Después de un segundo visionado podría llegar a decirlo. Por ahora, me queda claro que se trata de una gran película, por sobre lo que las compañías de la "competencia" proponen al público.

Gossip Apunta Con Fuerza Hacia Los 80

Los Gossip [1] de ahora son bastante distintos a los de hace algún tiempo. Año a año, disco a disco, su imagen se vuelve más producida, glamorosa y rebuscada. Aquellas actitudes sucias y desgarbadas ya están bien en el olvido. Además, todo ha ido de la mano de un notorio desvío de estilo, o más bien de una fuerza puesta en aquellos aspectos más pop y bailables. En eso no hay nada de malo.

Lo lamentable del caso, es que poco a poco Gossip ha pedido aquella gracia de una sencilla banda de tres personas, donde una canta, otra toca la batería y la última va de la guitarra al bajo. La puesta en escena ahora es bastante más tradicional: finalmente incorporaron más intrumentos en vivo y la ausencia de bajos o bases ya no es tal. En eso puede ser que tampoco haya nada de malo.

La cuestión es que, si bien 'Music For Men' (2009) es un álbum bastante entretenido, tendía a alejarse de la faceta garagera de 'Standing In The Way Of Control' (2006) que tan bien les resultaba. En aquel disco, la idea de canción bailable se expresaba en la forma de "Listen Up!", con un bajo juguetón y una batería que marca el pulso esperando calentar el ambiente, ya fuera tu habitación, el camino a algún lugar o aquella disco de la ciudad a la que sueles ir.

Con el último álbum, 'A Joyful Noise' (2012), editado hace menos de un mes, la banda -curiosamente- se aleja de casi todo rastro de ruido. Y de paso, se lanza de lleno a lo retro con constantes melodías que evocan a los 80. Tanto así, que a estas alturas me costaría ver mezcladas en una misma presetanción estas canciones nuevas con cortes como "Standing In The Way Of Control" o "Yr Mangled Heart", vibrantes temas que tenían todo ese espíritu rockero de antes.

Para nada 'A Joyful Noise' va a la hogera, pero sí es para unas cuantas oídas y ya. Al final, el asunto es que no queda mucho para el recuerdo o para atesorar. De cierta forma, eso es lo lamentable.

El Paso De Morrissey

La venida de Morrissey [1] se dio de manera algo fulminante. Si bien su nombre sonaba fuerte como número de la próxima versión de Lollapalloza [2], eso no resultó; en cambio, el Festival de Viña del Mar [3] se transformó en la curiosa plataforma en la que llegaría a Chile por tercera vez.

Se veía venir que ocurrirían situaciones que, a lo menos, serían curiosas. Al final, Morrissey en medio de algunas polémicas de poca monta, que rápidamente quedaron en el olvido. Lo suyo en Viña fue fugaz y algo raro. El público que iba por el británico entendió; el resto, pudo quedar algo extrañado. No es para menos en un festival cuyo enfoque está en lo popular, masivo y alejado del rock (incluso por suave que este pudiese ser).

Morrissey en Viña fue contundente y efectivo. Sin embargo, la presentación (al menos por televisión) se vio algo fría, distante y con problemas de sonido.

Santiago fue una parada diferente: una presentación personal, con una multitud que celebraba todo. Un set list bastante más certero ayudó muchísimo a engrandecer la noche. A pesar de eso, algunos pasajes de canciones algo más lánguidas o desconocidas tendían a enfriar la jornada, que alcanzó momentos de cántico general.

Una Genialidad Llamada 'Warpaint'

Como llegué a Warpaint [1] fue algo rápido, de manera directa. Y que de pronto ya estuviera viendo en vivo a este cuarteto indie lo fue incluso más, sumando lo sorpresivo.

Warpaint, integrado por cuatro talentosísimas mujeres, es un rock experimental y tremendamente hipnótico. Con apenas un disco de estudio ('The Fool', 2010) y un EP ('Exquisite Corpse', 2008), han conseguido ganarse a una audiencia bastante específica y, en ocasiones, difícil de contentar. La banda no es extremadamente digerible ni radial, aunque unos cuantos temas tienen bastante vocación pegajosa (como "Undertow" o "Billie Holiday"); a pesar de eso, resulta sencillo enganchar con canciones largas y repletas de capas de sonido y efectos. Una razón es lo bien construidas de las canciones, a nivel de melodía y estructura (aunque a veces duren más de la cuenta); otra es lo lograda de la apuesta técnicamente musical, con cuatro personas que dominan de manera sobresaliente sus instrumentos, y que, salvo la batería, llenan la atmósfera de efectos.

La presentación en Chile del 4 de octubre en el Centro Cultural Amanda [2] fue, como no, sólida y contundente. Una cuantas canciones, un gran sonido y las chicas de buen ánimo. Tal vez si hubiese durado más habría ostigado, pero no fue el caso. De momento, las beneficia una discografía escasa, pero que raya en la perfección.